Korean Culture No. 6

K-FASHION

Wearing a New Future

서론

1장 한국 패션, 세계의 런웨이를 걷다

1) 한국미의 컨셉을 새로 규정한 ‘컨셉 코리아’

2) 패션, 또 하나의 한류를 꿈꾸다

3) K-패션, 아시아를 넘어 세계로

2장 한국 패션의 DNA를 찾아서

1) 고종의 실크모자과 깁슨 스타일(1894-1920년)

2) 신여성의 탄생과 양장의 일상화(1920-30년대)

3) 몸뻬와 마카오신사들(1940년대)

4) 최초의 패션쇼 및 디자이너의 탄생(1950년대)

5) 미니스커트, 시대를 증언하다(1960년대)

6) 데님의 사회학, 청년을 만나다(1970년대)

7) 영 패션, 도시의 얼굴을 바꾸다(1980년대)

8) 한국적 쉬크(1990년대)

9) 한류, 패션의 새로운 물길을 트다(2000년대 이후)

Chapter 3 디자이너 10인의 스토리

1) 한국 전통의 미를 재해석한 ‘이상봉’

2) 바람의 옷 한복을 세계에 알린 ‘이영희’

3) 영원한 페미니티의 노래 ‘손정완’

4) 유럽의 옴므를 매혹하다 ‘우영미’

5) 두 세계 사이를 항해하는 ‘문영미’

6) 현대에 태어난 전통의 침선장 ‘이진윤’

7) 미셸 오바마의 엘레강스를 만든 ‘두리 정’

8) 한복의 무한변주, 그 위를 질주하는 ‘김혜순’

9) 한국의 루부탱을 꿈꾸는 ‘이겸비’

10) 최고의 잇백을 디자인하다 ‘조명희’

4장 패션 스트리트 탐구

1) 명동-패스트패션의 전쟁터

2) 동대문-역사와 문화를 연결하는 패션의 자존심

3) 이태원-코스모폴리타니즘에 바치는 경배

4) 청담동-명품숍과 디자이너 부티크의 거리

5) 홍대-독특함으로 승부하는 하위문화의 표상

6) 가로수길-트랜드의 색을 맛보고 싶다면

7) 부암동-따스한 햇살 같은 핸드메이드의 거리

부록

Prologue

패션은 중세 말기에 그 개념이 탄생하여 인간의 역사 속으로 흘러 들어온 이후로, 삶과 예술, 생산과 소비, 개인의 취향과 집단적 소비행동을 연결하며 진화해 왔다. 각 나라는 패션을 통해 자신들만의 고유한 정체성을 만들어왔다. 루이 14세부터 시작된 프랑스의 럭셔리 산업은 오늘날까지 이어지며, 영국의 시민사회는 캐주얼 모드를 탄생시켰고, 유럽의 동양이라 불리던 스페인은 동양의 정서가 가미된 고혹적인 아름다움을 만들었으며, 이탈리아는 텍스타일 산업의 발전에 힘입어 소재 중심의 편안함을 강조하는 패션을 완성했다. 반면 미국은 신생 국가답게 능률을 최우선으로 하는 가치를 통해 스포츠웨어의 강국이 되었다.

그러나 한편으로 서구 중심의 패션 문화와 시장은 일찍부터 아시아의 이국적인 아름다움에 매혹되어 왔다. 18세기 로코코 시대에는 시노와즈리(Chinoiserie)라 불리는 중국풍의 패션이 유럽 궁정을 덮었고, 19세기에는 인상주의 화가들을 충격에 빠뜨린 일본의 전통 판화 우키요에 등이 서유럽을 강타하면서 일본풍이 그 뒤를 이었다. 최근에는 1980년대 이후 포스트모더니즘의 전파와 더불어 서양과 제 3세계 간의 문화적 경계가 허물어지면서, 아시아의 문화가 서양의 패션 트렌드에 많은 영감과 상상력을 불러일으켰다. 이는 독특한 에스닉 룩의 형성과 문화를 만들어내기도 했다.

대량생산을 발판으로 정보력과 글로벌 네트워크 시스템을 결합한 것이 20세기 패스트패션을 낳은 요인이었다면, 21세기는 강력한 독창성과 정체성으로 주조한 스타일 언어를 문화적 지수로 끌어올리는 브랜드가 시장에서 인정받는 시대다. 2009년 국가브랜드위원회와 지식경제부, KOTRA의 조사에 따르면 패션은 한국의 이미지를 이끌어가는 대표산업 7위에 올랐다.

패션의 본질이 이미지를 파는 것이며, 따라서 패션산업과 국가 이미지는 서로에게 기대고 있다. 패션은 한 국가의 제조 및 소비역량, 트렌드 창조능력 등과 관련하여 국가경쟁력을 판단하는 중요한 지표가 되어왔다는 점을 고려할 때, 한국 패션이 가야할 길은 아직도 멀다. 하지만 K-팝을 비롯한 문화상품의 해외 수출과 더불어 한국 문화와 예술 전반에 대한 호의가 높아지면서, 자연스레 한국 패션에 대한 관심도 증가하고 있다.

이 책은 이러한 흐름에 발맞추어 한국 패션의 진화과정을 개괄적으로 살펴보기 위한 시도다. 현재 진행되고 있는 한국 패션의 글로벌화의 다양한 모습들로부터 시작하여, 세계 속에 한국의 스타일을 오롯하게 심기 위해 다져야 할 기초로서 한국패션의 근현대사를 함께 읽어본다. 이 과정을 통해 한국적 스타일이라는 것이 어떻게 진화해 왔는지 가늠해볼 수 있을 것이다. 근대로 넘어오는 시기에 일제 식민지배와 한국전쟁이라는 내외부적인 시련을 감내하면서 한국이 어떻게 자생적인 패션 언어와 개성을 갖게 되었는가에 관한 정보들을 담아보고자 했다. 이어 한국 패션을 이끌어가는 디자이너들의 간략한 작품세계와 스타일을 살펴본다. 1990년대부터 파리에 진출한 디자이너들과 최근 뉴욕패션위크에 참여한 디자이너들, 옷에 한정하지 않고 구두와 가방에 이르기까지 최상의 상품을 만들어내는 디자이너들의 세계를 다루었다. 이후 서울의 주요 패션 거리들의 풍경을 스케치함으로써, 거리마다 창출되는 스타일의 독특함을 소개하고자 했다. 150여 년의 역사를 가진 근현대 한국 패션의 얼개 중 작은 부분이나마 살펴볼 수 있는 좋은 기회가 될 것이다.

1장 한국 패션, 세계의 런웨이를 걷다

1) 한국미의 컨셉을 새로 규정한 ‘컨셉 코리아’

2010년 한국의 패션을 세계무대에 알리려는 노력의 일환으로 시작된 ‘컨셉코리아’가 2012년 9월에 6번째 시즌을 맞이했다. 뉴욕 링컨센터 더 스테이지(The Stage)에서 열린 이번 행사는 현대 무용의 창시자인 마사 그레이엄 무용단의 다섯 명의 무용수의 퍼포먼스로 이번 행사의 주제인 ‘오방색’을 알리며 화려한 무대의 서막을 열었다. 2013년 S/S 컬렉션을 선보이는 이 자리에는 뉴욕 패션위크의 창시자인 Fern Mallis와 패션 매거진 <보그>의 스타일리스트 Philip Bloch, 뉴욕 최고급 백화점인 Saks 5th Ave.의 패션 디렉터 Colleen Sherin 등 영향력 있는 현지 패션 전문가들을 포함하여 예상치를 훨씬 넘어선 총 450명 가량의 인원이 행사장을 가득 메웠다. 더불어 <엘르>, <코스모폴리탄>, <하퍼스 바자>와 같은 현지 패션 유력지를 포함한 수많은 언론들의 열띤 취재로 패션 중심지 뉴욕에서의 한국 패션에 대한 관심을 실감하게 했다.

이번 컨셉코리아에서 현대 패션의 중심 뉴욕에 도전장을 내민 5명의 디자이너들, 이상봉, 최복호, 손정완, 계한희, 김홍범은 주제에 맞춘 특색 있는 작품을 선보였다. 한국적 패션문화를 뉴욕에 알리기 시작한 지 올해로 3년째인 컨셉코리아는 패션계 명사들로부터 도전적인 무대로 인정받으면서 확실한 자리매김을 했다.

디자이너 최복호는 현란한 한국의 색을 전통의 비빔밥에 비유하여 색과 색이 중첩되면서 표현되는 이중의 아름다움을 드러냈다는 평을 들었다. 손정완은 스페인의 아티스트 호앙 미로의 <Everything under the sun>에서 영감을 얻었다. 울창한 숲 아래로 퍼지는 햇살처럼 몽환적이고 서정적인 느낌의 실루엣이 눈부셨다. 반면 이상봉은 ‘노스탤지아’를 테마로 옛 사진첩에서 꺼낸 오래된 사진과 메모에서 영감의 시원을 찾았다. 레트로적인 추억의 맛을 이상봉 특유의 아방가르드와 결합시킨 감성적인 의상을 선보였다. 신인 디자이너 계한희는 억압받고 불편한 현대사회, 그 중에서도 암울한 청년층에 대한 초상을 가볍고 위트 있게 풀어냈다. 학원폭력을 주제로 한 타투 이미지와 해골을 모티브로 한 하이힐도 독특한 미감을 불러 일으켰다. 김홍범은 ‘Extreme Weather’를 테마로 험준한 지형에서 찾아낸 이미지를 옷으로 표현했다.

이처럼 5인의 패션은 더 이상 전통미에만 매몰되지 않고, 현대 속의 한국의 이미지를 새롭게 규정하려는 시도를 했다. ‘한국적인 것이 세계적인 것이다’라는 명제를 넘어서, 세계적인 것이 될 수 있는 우리만의 ‘보편성’을 찾은 디자인이기에 현지의 호평을 끌어낼 수 있었다.

2) 패션, 또 하나의 한류를 꿈꾸다

한국 디자이너들의 해외 진출은 1990년대 초반부터 시작되었지만 한국이라는 국가브랜드 이미지가 발목을 잡곤 했다. 패션은 국가 전체의 문화적 우수성이 빚어내는 이미지에 기반한다. 당시 프랑스와 이탈리아, 미국과 영국과 같은 주요 패션시장에서 한국 패션은 여전히 변방의 자리에 머물러 있었다.

그러다 2004년 드라마 <겨울연가>의 일본 수출과 더불어 현지에서의 폭발적인 반응으로 인해 주인공이었던 배용준과 최지우의 옷차림, 스카프, 헤어스타일이 유행했다. 최근에는 K-팝이 한류를 주도하면서 그 향유층이 동남아를 넘어 유럽과 북미로 번지고 있다. 한국의 최신 문화가 해외에서 왕성하게 소비되면서 한국의 국가 이미지도 함께 올라갔다. 이에 따라 드라마, K-팝, 한식에 이어 패션도 본격적인 한류의 대열에 합류하고 있다.

2012년 1월 일본 국립 요요기 제일체육관에서 열린 ‘한일 합동패션이벤트(KISS)’는 이런 흐름을 말해주는 좋은 이벤트였다. K-팝과 패션이 만나 사흘 동안 무려 3만 3천여 명의 관객을 끌어 모았다. 소녀시대, 카라, 씨스타 등 국내 아이돌 가수와 디자이너 이상봉, 패션브랜드 스파이시 칼라 등이 참여해 화제를 모았다. 드라마와 음악을 통해 ‘코리아’라는 브랜드가 트렌디한 것으로 여겨지면서 한국 패션도 함께 상승세를 타고 있는 것이다. 국내 백화점에는 드라마 여주인공의 사진을 출력해 와서 한국 브랜드 옷을 사가는 중국인 관광객들로 북적거린다. 최근 유튜브를 타고 K-팝이 세계 시장으로 퍼져나감에 따라 주요 아이돌 스타들의 패션과 뷰티 스타일도 많은 관심을 받고 있다.

최근에는 한국의 문화가 실질적으로 상품화되어 산업적으로 접목되고 있다. 패션은 대중문화의 한 부분으로서 최근 유럽에서 큰 반향을 얻은 K-팝과의 결합을 통해 유럽시장 진출을 다지고 있다. 이랜드는 SM, 리복은 JYP엔터테인먼트, 제일모직은 YG엔터테인먼트와 손을 잡고 다양한 협력 방안을 모색하면서, 소속 아이돌들의 문화개척 역량을 패션에 결합하여 해외시장 공략에 박차를 가하고 있다.

3) K-패션, 아시아를 넘어 세계로

한국의 패션 대기업들은 각 브랜드만의 특성과 독특한 아이덴티티를 위해 디자이너 브랜드를 흡수하거나 자체 브랜드를 형성해 발전을 모색해왔다. 오랫동안 글로벌 브랜드로 성장해온 제일모직에는 자체 개발한 여성복 브랜드인 BEAN POLE, BEAN POLE LADIES와 디자이너 정구호의 KUHO, LEBIEGE 등이 있고, LG패션에는 여성복 라인인 MOGG와 TNGT 등이 있다. 2012년 런던올림픽을 위해 빈폴이 제작한 선수단복은 미국 타임지에 의해 ‘베스트 유니폼’으로 선정되면서 세계의 주목을 받기도 했다.

한국 패션 브랜드는 특히 중국 시장에서 고공 성장을 하며 글로벌 명품 브랜드와 어깨를 나란하고 있다. 국내 백화점에서는 일부 대기업 브랜드를 제외하면 외국 명품에 밀리지만 중국에서는 사정이 다르다.

중국 상하이 푸동(浦東) 중심가에 있는 바바이반(八佰伴) 백화점은 중국 내 백화점 중 매출 3위를 기록할 정도로 유명한 곳. 이곳에 입점해 있는 이랜드(E-Land) 브랜드의 매장은 무려 15개다. SCOFIELD 남성과 아동 브랜드 Paw in Paw 등 카테고리별 매출 1위를 기록하는 브랜드도 여럿 된다. 이랜드 브랜드 이외에도 이 백화점에는 제일모직의 BEAN POLE, LG패션 HAZZYS, 코오롱의 QUA,  그리고 OLIVE DES OLIVE, BASIC HOUSE 등 국내 브랜드가 다양하게 입점해 있어, 그야말로 ‘한국 패션의 힘’을 확인할 수 있다.

상하이의 최고급 쇼핑몰로 꼽히는 쉬자후이 강후이(港匯) 광장 3층에 위치한 이랜드의 여성복 브랜드 Roem의 연 매출은 약 35억 원로 입점 브랜드 중 상위권에 속한다. Roem 매장을 지나 몇 걸음 옮기면 Teenie Weenie 매장이 나온다. 매장 크기만 2,512m에 달하는 이곳의 연 매출은 약 45억 원. 아동부터 고급 라인까지 갖춰 한 번에 쇼핑을 할 수 있도록 했다. 이런 규모의 매장을 갖춘 건 이 쇼핑몰에서 Teenie Weenie밖에 없다.

기존의 대기업과 더불어, 상대적으로 작은 규모지만 내실 있게 국제시장을 상대로 성장해가는 기업들도 있다. 이들은 일찍이 대기업보다 먼저 해외시장에 진출하여 한국 패션의 지형도에 영향을 미쳐온 숨은 강자들이다.

영도벨벳은 1960년 설립되어 선진국에서만 제조능력을 확보하고 있는 고부가가치형 산업인 벨벳 제조에 뛰어들어, 한국을 벨벳 수입국에서 수출국으로 전환시키는 발판을 마련했다. 지난 2001년에 벨벳 부분 세계 생산 및 수출 1위 기업으로 도약했으며, 이태리의 조르죠 아르마니, 미국의 앤클라인, 탈보트, 스페인의 자라 등 세계 최고급 브랜드들이 오랫동안 영도의 자체 브랜드인 Three Eagle 벨벳을 사용해 왔다. 영도의 장인정신은 혁신적인 설비의 증설을 통해 외관이 화려하고 부드러운 벨벳과 마찰 및 일광에 강하고 물세탁이 가능한 실용적 벨벳이 하나로 결합된 마이크로 벨벳이라는 세계 최고의 신제품까지 개발하였다.

1987년 설립된 시몬느는 코치，마이클 코어스，마크 제이콥스는 물론 버버리，도나카렌 등 전 세계 약 25개 명품 브랜드 핸드백을 제조자개발생산(ODM) 방식으로 수출한다. 전 세계 명품매장과 백화점에 있는 코치 제품 중 25%，마이클 코어스의 90%，마크 제이콥스의 80%는 시몬느가 만들어 납품한 것이다. 시몬느의 경쟁력은 소재, 디자인 개발부터 완제품 검수까지 모두 해내는 이른바 '풀 서비스'에서 나온다. 회사가 보유하고 있는 디자인 패턴이 14만 가지에 달하며, 디자인 개발에만 연 100억 원 이상을 투자한다. 시몬느는 최근 연간 1600억 달러 규모의 명품 핸드백 시장에서, 기존 명품에 비해 가격은 싸고 품질은 유사한 이른바 '엑세서블 럭셔리' 시장이 400억 달러 수준으로 형성되고 있다는 점을 공략하여 시장 선점에 나설 계획이다. 이를 위해 자체 브랜드 0914를 만들고 본격적인 브랜딩에 돌입했다.

2004년 설립된 ㈜더베이직하우스의 중국법인은 현재 중국 내 5개 브랜드, 1,145개의 매장을 보유하고 있다. 런칭 당시부터 흔룽, 왕푸징, 타이핑양, 따이웨이청, 인타이 등 중국 내 주요 백화점과 연계한 도시별 유통망을 구축했다. BASIC HOUSE, MIND BRIDGE, I’m DAVID, VOLL 등 백화점 각 ZONING별로 진출이 가능한 다양한 브랜드 포트폴리오를 갖추고 있다. 또한 디자인과 기획 단계에서부터 중국 현지 전문인력을 투입하여 한국의 디자인 감각과 중국의 소비자 기호를 반영한 제품으로 시너지를 창출하고 있다.

패션의류 전문 기업인 보끄레머천다이징은 1999년 중국 시장에 ON&ON을 런칭한 데 이어 W., Lapalette, COIINCES 등을 추가로 진출시켰다. 2000년에는 일본의 이토츄 패션과 합작하여 OLIVE DES OLIVE를 런칭했다. 2005년에는 글로벌 브랜드의 효율적인 관리를 위해 중국 상해에 독자법인인 ‘보끄레상해’를 설립했다. 이후 2008년부터 파리의 WHO’S NEXT와 뉴욕의 Fashion Coterie 전시를 통해 OLIVE DES OLIVE의 스페셜 라인인 Morine Comte Marant를 선보여 미국과 영국, 스페인, 프랑스, 이탈리아에 수출했다. 2011년에는 러시아와 싱가폴 시장으로 진출하여, ON&ON의 경우 롯데백화점 모스크바점 3층에 입점한 브랜드들 중 SPA 브랜드 ZARA에 이어 가장 높은 매출 파워를 보였다.

[김삿갓, 런웨이를 걷다]

2011년 뉴욕 패션위크 S/S 컬렉션에서는 독특한 장면이 연출되었다. 1970년대와 80년대를 거쳐 최고의 디자이너로 활동했던 캐롤리나 헤레라(Carolina Herrera)의 컬렉션에 한복의 여밈과 전통문양을 차용해 재해석한 디자인이 등장한 것이다. 70년대 최고의 패션 아이콘이었던 재클린 케네디와 배우 르네 젤위거와 같은 탄탄한 고객층을 갖고 있는 뉴욕의 디자이너는 어떻게 한복의 매력에 빠져들었을까?

여기에는 무엇보다 한국의 한복 디자이너 이영희의 영향이 컸다. 이영희가 2004년 뉴욕에 설립한 Lee Young Hee Museum of Korean Culture를 통해 헤레라는 한복의 아름다움에 빠졌다. 이후 컨셉코리아에서 본 한국적 선의 아름다움에 빠진 헤레라는 2011년 자신의 컬렉션에 한복에서 영감을 얻은 작품을 선보인 것이다. 그녀는 한국의 갓과 한복의 여밈, 전통문양을 재해석해 서양복식에 적용했다. 특히 한국 여성들의 전통 복식의 특징 중 하나인 속옷의 중첩효과에 눈을 돌렸다. 한국 여인들이 속옷을 첩첩이 겹쳐 입음으로써 풍성한 실루엣을 만들어냈듯, 헤레라는 서양의 페티코트를 한국의 속치마 형태로 전환해 입혔다. 아시아적 가치는 서구의 디자이너들에게 오랫동안 영감의 원천이 되어 왔지만, 이번처럼 한국적인 미가 구조적인 완성도를 갖추어 외국 디자이너에 의해 선보인 것은 처음이었다. 그만큼 해외의 디자이너들에게 한국 패션의 매력이 알려지고 있다는 반증이었다.

패션 디자이너 드리스 반 노튼 역시 2012년 F/W 컬렉션에서 한복에서 얻은 영감을 작품을 선보였다. 한복의 동정선을 프린트한 그의 드레스는 한국적 아름다움에 대한 외국 디자이너들의 관심을 보여주는 또 하나의 중대한 사건이었다. 그는 콜라보레이션 작업을 한 한복 디자이너 김혜순을 초대해 무대 뒤편에서 그녀가 준비해온 두루마기를 입고 손님들을 맞기도 했다.

2장 한국 패션의 DNA를 찾아서

한국은 1894년 갑오경장 이후 개화사상의 고취와 외래문화의 접목에 따라 전통 복식문화가 점차 허물어지고, 서양화와 근대화의 상징으로 서양 패션이 도입되었다. 5천 년의 역사 속에서 응결된 전통 복식은 이때부터 지난 1세기 동안 서양의 의복문화와 결합하면서 문화접변을 일으켰다. 그 과정에서 전통 한복은 일상복에서 의례복으로 정착되고, 서양 패션이 일상화되었다.

한국의 복식미를 찾기 위해서 고려해야할 한 가지 역사적 특수성이 있는데, 일제에 의한 식민지배와 문화적 강점으로 인해 일찍이 서구 패션을 자생적으로 수용하고 한국적 패션문화를 형성할 기회를 놓치게 된 점이다.

해방 직후에도 정치적 혼란과 경제적 파탄이 겹쳐 가난과 궁핍의 시대가 계속되면서 복식문화의 정상화는 더디기만 했다. 그러나 해방 이후 수입된 원단과 미국의 원조물자로 들어온 의류들이 일상의 스타일에 영향을 미치면서 점차 패션의 양적 질적 발전이 시작되었다. 1950년대 초반부터 한국 사회 내부에서 패션 디자인에 대한 관심이 커지면서 자생적인 국내 디자이너가 탄생했다.

이후 60년대에서 80년대 후반까지 한국의 패션산업은 육성기를 거쳐 본격적인 발전기를 경험한다. 90년대에 접어들어 한국 패션은 국내를 넘어 해외시장을 본격적으로 타진한다. 한국적 모티브와 정서에 근거한 패션으로 파리 시장에 진출하게 된 것이다. 2000년대에 들어오면서 해외 유수 패션학교를 졸업한 신예 디자이너들은 그 어느 때보다 과감하게 해외시장에 진출하고 있다. 현재 한국의 패션 디자이너 사회는 해외진출을 타진했던 구세대와 신세대 디자이너들이 조화롭게 복식문화의 가치를 만들어가고 있다. 이러한 신구 조화의 노력은 최근 한국패션디자이너연합회(CFDK)의 발족과 함께 더욱 탄력을 받을 예정이다.

본 장에서는 한국 패션의 역사적 진화과정, 그 중에서도 150여 년에 걸친 근대복식의 탄생과 발전과정을 살펴본다. 이를 통해 한국 패션의 역동성과 다양성이 어떻게 형성되었는지 타진해 볼 수 있을 것이다. 최근 한류 붐과 더불어 한국 패션이 세계시장에 자신만의 언어를 선보이는 지금, 전통과 현대를 연결하여 동시대 세계 패션의 문법 속에 당당히 한국적 패션을 각인시키기까지, 지나온 시간의 결을 거슬러 가며 옷에 담긴 한국 패션의 속살을 파헤쳐 볼 것이다.

1) 고종의 실크모자과 깁슨 걸(1894-1920)

1894년 갑오경장으로 견고한 신분제 사회였던 조선의 틀은 허물어졌다. 개혁의 일환으로 가장 먼저 시작된 것이 의복 개혁 분야였다. 1895년 8월에 고종은 위생 및 활동의 편의성을 의식해 상투를 자르도록 하는 단발령을 단행한다. 이와 더불어 양복의 착용도 시작되어, 1900년 4월에는 관복을 양복으로 바꾸었다. 대례복은 영국 귀족들의 예복을 모방한 일본의 대례복을 본떴으며, 소례복은 연미복과 프록코트, 일상복은 현재 양복과 같은 스타일을 착용하기 시작했다. 서구식 헤어스타일의 고종이 솔선해서 대례복을 착용하고 실크모자를 쓴 것은 가히 센세이셔널했다. 단발령 이후 남성과 여성 모두 서양식 모자가 별 저항 없이 자리를 잡았는데, 이는 모자의 나라 조선의 전통적 관례에서 기인한 것이다. 실내나 실외 모두 모자를 착용했던 우리 식의 전통은 서양복식 전반에 대한 대중의 저항에도 불구하고 head gear의 급속한 수용에 영향을 미쳤다.

신교육을 받은 여성들을 중심으로는 외국 선교사와 외교관 부인들의 패션을 모방하기 시작했다. 당시 대표적인 양장은 부풀린 Leg of mutton 소매와 레이스로 장식한 하이 네크라인, 넓게 플레어진 고어 스커트, 꽃으로 장식한 모자로 방점을 찍은 1890년대 서양에서 유행하였던 Gibson girl Style이었다. 진명여고를 설립, 여성의 공교육 발전에 공을 남겼던 순헌황귀비(영친왕의 생모)도 깁슨걸 스타일의 드레스에 우산을 들고 장갑을 착용했다. 당시 최초의 양장을 선보인 여성이었던 윤고려도 깁슨 드레스에 메리 위도 모자를 썼는데, 이는 패션 리더였던 여배우 릴리 엘시가 연극  ‘메리 위도’에서 썼던 모자로 꽃 장식이 특징이다.

1910년대로 접어들면서 일제 강점에 의한 강요된 근대화의 기초가 싹텄다. 일본식 군복과 경찰복, 교복, 간호사복을 착용하였고 외국 선교사들이 창립한 학교에서는 서양식 교복을 착용하였다. 여학생들은 주로 저고리에 검정색 짧은 통치마를 교복으로 택하고 쓰개치마와 장옷을 벗게 했는데, 이로 인해 등교생 수가 줄어들자 대신 검정 양산을 쓰도록 했다. 1907년에는 숙명여학교 학생들이 치마와 저고리가 아닌 자주색 양장 차림 교복을 착용하여 세간의 관심을 끌기도 했다. 1918년 이후로 여성들은 발목 위로 올라오는 비교적 짧은 길이의 원피스 드레스와 팔을 노출한 7부 소매 의상을 입었다.

2) 신여성의 탄생과 양장의 일상화(1920-30년대)

1920년대는 유교적 구세대와 서구교육을 받은 신세대 간의 가치관 갈등이 증폭되었던 시대다. 신교육을 받은 여성층의 증가와 더불어 각종 양재학교(dressmaking school)가 생겨나고, 여성단체를 통한 양재강습이 이루어졌다. 1920년대 서구의 Flapper Look이 유행하면서 국내 패션에도 영향을 주었다. 소년풍(boyish)으로 머리를 짧게 자른 여성을 모단 걸(毛斷傑: 머리카락을 자른 여자)이라 불렀다. 이 신여성들은 패션의 주체로서 남녀평등과 함께 의복 개량 운동을 이끌었다. 특히 해외 유학파로 무용수로 활동한 최승희는 당대 최고의 패션 아이콘으로써 플랫칼라가 달린 케이프 코트를 유행시켰고, 전통한복을 변형한 패션을 선보였다.

1930년대에 접어들면서 많은 학생들이 양장교복을 입게 된다. 당시 교복은 대게 세일러 복, 플리츠 스커트에 모자를 곁들이거나 하이 웨이스트의 플리츠 점퍼 스커트를 착용하였다. 여학생의 교복이 서양화되면서 일반 여성들 사이에서도 양장이 유행을 했다. 이에 따라 일상생활에서는 개량 한복과 전통 한복을, 직장에서는 양장을 입는 패션의 이중구조가 나타났다. 또한 이 시기에 신식 웨딩드레스가 출연하였고, 1937년에는 우리나라 최초로 여성전용 양장점인 은좌옥이 생겼다. 1938년에는 양재교육을 위한 국제복장학원이 창설되어 기술 교육을 통해 서양식 여성복의 시대가 본격적으로 열렸다.

3) 몸뻬와 마카오 신사들(1940년대)

1939년 제 2차 세계대전이 발발하면서 한국은 패션의 격동기를 맞이한다. 모든 일상의 영역들이 전시 체제로 돌입하면서 의생활에도 변화가 생겼다. 일제는 남자에게 국민복, 여자에게는 간단복이나 몸뻬를 입도록 강요했다. 간단복은 허리에 벨트를 매고 양 옆에 포켓이 있는 간호복과 비슷한 스타일이었다. 몸뻬는 한국 여성들이 일본 여성들의 작업복 바지인 몸뻬 위에 작업에 편리한 저고리나 셔츠를 함께 입으면서 시작된 한국최초의 여성 양장바지이다. 바지통은 활동성을 고려하여 알맞은 너비에 허리나 부리에는 주름을 잡고 고무줄을 넣었다.

1945년에 해방이 되면서 돌아온 교포들과 2차 세계대전의 영향으로, 어깨에 솜이나 패드를 두껍게 넣은 군복풍 수트와 군복을 응용한 국방색 의상이 유행하기도 했다. 그러나 이 무렵 국민들은 무척 가난하였고 옷감이 부족하여 간단한 블라우스와 스커트로 간신히 의생활을 유지해야 했다. 시골 학생들은 무명과 명주를 섞어 짠 자가 생산 복지로 교복을 만들어 입었으며 색상은 국방색이나 검정색 일색이었다.

이렇게 서지 옷감이나 군복을 개조한 옷감이 대부분이던 옷감 고갈의 시대에 마카오 양복감으로 양복을 맞춰 입은 이른바 ‘마카오 신사’들이 등장하여 센세이션을 일으키기도 했다. 어깨와 깃이 넓고 커다란 재킷에 엉덩이와 넓적다리 부분이 헐렁하고 부리는 점점 좁아지다가 단을 접단으로 홀린 홀태바지를 곁들인 것을 ‘마카오 스타일’이라 불렀다. 당시 마카오는 영국산 양복지의 주요 유통경로였다. 마카오 스타일은 밀수품에 의해 양복문화가 형성된 시기의 모습을 단적으로 보여준다.

여성들 사이에는 일제 강점기 말기에 금지했던 파마 머리가 다시 유행했고, 과도한 화장품 사용에 대한 보수적인 사회의 비판이 빗발치기도 했다. 1940년대 후반 구호품과 밀수품의 범람 속에 한국인들의 생활이 겨우 제 위상을 찾으려는 무렵, 1950년 6월 25일 한국전쟁이 발발한다.

4) 최초의 패션쇼와 디자이너의 탄생(1950년대)

1950년대는 한국 패션이 자생적으로 성장의 기로에 들어선 첫 세대다. 집단에 의한 스타일의 채택이라는 ‘유행’ 개념이 본격적으로 사회 내부에서 시도되던 시기로서, 유행의 수용과 확산에 필요한 제반 인프라가 조금씩 자리를 잡기 시작했다. 1953년 한국전쟁의 휴전협정이 체결되면서, 피란을 갔던 사람들이 서울로 몰려들었다. 1954년 12월 명동 한복판에 최경자 씨가 ‘국제양장사’를 개업하고 그 옆에 ‘최경자 복장 연구소’를 열면서 한국 최초의 패션 교육을 시작했다. 국제양장사는 당시 연예계 최고의 배우들, 최은희와 김미지 등의 단골을 확보하면서 유행의 거리 명동을 탄생시켰다.

1955년 여성잡지 <여원> 11월호에는 패션 저널리스트 박상기 씨가 진행하는 여성의상의 사진과 해설이 실린 ‘패션 모드’란이 등장했다. 서울의 거리는 분홍색 무늬와 체크 무늬의 파라솔이 장악했고 여성들 사이에선 최초의 전기 파마와 고데가 전성기를 맞이했다. 여성용 수영복이 잡지 표지에 나오면서 과감한 노출이 시도되기도 했다. 1956년에는 당시 초유의 흥행을 기록한 영화 <자유부인>의 인기에 힘입어 주인공이 입은 벨벳 소재 드레스와 개버딘 소재의 모자 달린 플레어 코트, 실용성이 큰 점퍼 스커트와 자루 형태의 Sack Dress가 유행하였다. 당시 홍콩 수입품이었던 벨벳이 유행하면서 정부는 벨벳 사용금지령까지 내려야 했다. 또한 영화 <모정>을 통해 인기를 끌게 된 중국풍 드레스, 그리고 <로마의 휴일>의 주연 오드리 햅번이 착용한 페티코트로 부풀린 플레어 드레스와 짧은 커트 머리가 여심을 사로잡았다. 또한 햅번이 영화 <사브리나>에서 선보인 맘보 바지가 대유행을 탔다. 맘보 바지는 몸에 꼭 끼고 부리가 좁고 길이는 한 뼘 정도 발목 위로 올라오는 짧은 바지로, 50년대 중후반 맘보춤의 유행과 더불어 새로운 시대의 문화적 아이콘으로 부상했다.

이 시기 일본인들과 서양인들로부터 근대적 복식의 제작방법을 배운 평양 상공인들이 전쟁과 더불어 피난 내려와 남대문 시장에 자리를 잡으면서 토종 패션 시장의 토대를 이루게 된다. 1955년에는 한국 내 총 의류의 60퍼센트가 서울에 있는 평화시장에서 생산될 정도로 규모가 급성장한다.

1955년은 한국 현대 패션사에서 매우 중요한 시기다. 디자이너라는 명칭이 사용되기 시작된 원년으로, 1956년에는 한국 최초로 패션 디자이너 노라노의 패션쇼가 열렸다. 1959년에는 미국 캘리포니아 롱비치에서 열린 미스 유니버스 대회에 대한민국 대표로 오현주가 참가하였는데, 이때 노라노가 만든 한복을 드레스화한 옷을 입었다. 이 옷은 ‘아리랑 드레스'라 불렸으며 이로 인해 양장과 한복을 절충한 디자인이 선풍적인 유행을 얻는 계기가 된다. 이렇게 1950년대는 유행이 소비될 수 있는 유통체계와 디자이너의 탄생, 헐리우드발 유행의 확산 등 근대적 패션 시스템이 발아하던 시기였다.

5) 미니스커트, 시대를 증언하다(1960년대)

1960년대의 패션에는 이중의 얼굴이 담겨있다. 정부는 새마을 운동의 전개와 함께 의복의 간소화와 검소한 의생활을 장려했고, 이의 한 방편으로 ‘재건복’이라 불리는 간소화한 형태의 국민복을 유행시켰다. 이와 함께 실용성을 극대화환 털실 옷 입기를 권장하였다. 한편 서구의 ‘Swinging Sixties’를 이끈 비틀즈의 영향으로 남자의 장발이 유행하고, 미니스커트가 등장하여 여성의 신체에 대한 새로운 관점을 선보이던 시기다.

1968년 12월에 창간된 한국 최초의 패션 전문지 <의상>의 커버 모델은 당시 최고의 인기를 누리던 가수 윤복희였다. 그녀가 목이 긴 부츠와 초미니 스커트를 입고 비행기에서 내리는 장면이 매스컴에 소개되며 대 유행으로 번졌다. 미니스커트의 유행은 지금껏 여성의 신체를 감싸는 데 초점을 맞춰왔던 기존의 관행에 일대 혁신을 일으켰다. 미니스커트는 68년에 정점을 찍으며 무릎 위 30cm까지 올라가게 되고, 이후로도 10년마다 유행 사이클에 새롭게 등장하는 클래식으로 변모한다.

1960년대는 한국 패션의 비약적 발전이 본격적인 성장엔진을 단 시대로서, 1961년 대한복식디자이너협회가 결성되면서 디자이너 간에 본격적인 경쟁과 정보교류가 활성화되었다. 1962년에는 복식디자이너협회가 주최한 제 1회 디자인 경연대회가 열렸고, 같은 해 한국 최초의 국제 패션쇼가 열려 역사의 한 페이지를 장식하게 된다. 경복궁에서 산업박람회가 개회되었는데, 이때 세계 15개국의 민속 의상 및 선진국 일류 디자이너에 의한 뉴 모드(new mode)를 선보이며 세계 패션의 흐름을 소개했다. 주최측 대표 디자이너로 최경자 씨가 청자문양을 새긴 이브닝 드레스를 출품했다. 청자상감운학문매병의 형태에서 아이디어를 얻은 이 옷은 미려한 고려청자의 미와 색감을 재현하기 위해 한국화가 이세득 화백이 직접 드레스에 학과 소나무를 그렸다. 여기에 삼베와 모시에 풀을 먹인 무지개 속치마를 받침으로 하여 독특한 청자의 실루엣을 완성해 보였다. 한국적 전통과 현대의상이 조우한 첫 번째 작품이었다.

또 1964년에는 모델양성을 위한 차밍스쿨이 생겼다. 1967년에는 조선왕조의 마지막 황태자비인 이방자 여사가 불우아동을 돕기 위해 일본 도쿄 아카사카 호텔에서 최초의 한일 친선 패션쇼를 개최했다. 당시 디자이너 최경자는 ‘韓’ 자를 자수로 장식한 롱드레스와 한복 당의의 둥그런 밑단을 응용해 디자인한 자주색 양단 이브닝드레스를 선보여 일본 황태자부부의 찬사를 받았다. 양단 드레스의 중심에는 구슬로 공작새 패턴을 섬세하게 장식하여 한국적 모티브를 서구 복식에 적극적으로 차용하는 사례를 남겼다.

6) 데님의 사회학, 청년을 만나다(1970년대)

1970년대의 패션이 지난 1960년대와 구별되는 가장 큰 특징은 유행의 창조자가 디자이너에서 소비자 각 개인에게로 이전되었다는 점이다. 1960년대까지는 트랜드의 흐름을 주도하고 확산시키는 것은 디자이너의 몫이었다. 1973년 1차 오일 쇼크로 인해 경제가 잠시 침체기를 맞았지만 1977년 100억불 수출이라는 호황을 맞게 된다. 그 결과 개인의 세련된 패션 취향은 기존의 의상을 입는 것에서, 각자의 관점에서 의상을 해석하고 연출하는 것으로 옮아간다. 도시의 근대화와 더불어 개인의 자기표현 욕구가 더욱 성장함에 따라 나타나는 필연적인 변화였다.

이러한 경향이 직접적으로 표출된 영역은 다름 아닌 남성복 분야였다. 그 중에서 신사복은 경제성장과 더불어 변화하는 남성의 글래머를 담는 새로운 영역이었다. 1970년대는 양장과 양복의 맞춤시대였다. 당시 옷의 구매 형태는 재래시장과 맞춤으로 분류되었고, 이후 기성복 브랜드가 등장하면서 중상류층을 겨냥한 백화점과 직영 전문점과 같은 유통 채널이 개발되기 시작했다. 72년 화신그룹의 레나운, 74년 LG패션의 전신인 반도패션, 77년 코오롱의 벨라, 제일모직의 라보떼, 삼성물산 등 대기업이 기성복 시장에 진출하며 국내 패션시장의 규모가 급격하게 팽창했다.

70년대 패션을 이끌었던 아이템을 연도별로 정리하면 71년의 핫팬츠, 72년의 화이트진, 74년에는 판탈롱 바지가 인기를 끌었다. 바지통이 넓은 판탈롱은 일명 나팔바지라 불렸는데 기존의 일직선 라인의 바지에 불어 닥친 신선한 변화였다. 75년에는 월남치마, 76년에는 넓은 라펠, 77년에는 니트 조끼와 겹쳐 입는 레이어드 룩이 유행했고, 78년에는 저항문화의 일환으로 해적, 펑크룩이 그 뒤를 이었다. 여성의 스커트에도 미니와 미디, 맥시가 함께 공존하며 도시의 풍경을 풍성하게 만들었다. 획일화된 유행의 경향과 의미 있는 단절을 이뤄낸 것이다.

70년대는 각 개인의 패션의식(fashion consciousness)이 높아짐에 따라 자기만의 개성을 추구하는 룩이 뒤를 이었으나, 정부의 보수적인 태도와 충돌을 일으키기도 했다. 당시 정부는 패션을 국민의 정서를 좀먹는 퇴폐적 문화로 규정하면서 판탈롱 바지와 핫팬츠, 미니스커트를 대대적으로 단속했다. 그럼에도 불구하고 한편에서는 상류층의 상징으로 가죽과 무스탕, 토스카나 등의 모피가 등장해 유행하기도 했다.

1970년대는 월남전이 캄보디아로 확대되면서 반전 그룹의 저항이 사회 전면에 등장하던 시기였다. 미국의 히피문화가 70년대 중반에 한국으로 유입되어 70년대 말에 절정을 이루었다. 이때 젊음의 상징으로 등장한 청바지는 그 자체로 저항문화의 강력한 아이콘이 되었다. 청바지와 통기타, 생맥주, 장발은 당시 정치적 보수주의로 점철된 사회와 기성세대를 향한 청년 세대의 분노와 저항을 토해 내는 방식이었다.

7) 영 패션, 도시의 얼굴을 바꾸다(1980년대)

1980년대는 한국 패션의 전환기였다. 여행자율화와 교복자율화는 패션을 바라보는 사람들의 시선을 바꿔놓았다. 교복자율화로 인해 간편한 청바지에 점퍼, 티셔츠 차림이 유행했고, 청소년들의 캐주얼웨어의 패션화가 본격적인 바람을 탔다. 당시 이랜드와 같은 중저가 브랜드가 등장하고, 브렌따노, 언더우드, 헌트, 뱅뱅, 죠다쉬, 리바이스 등이 진 시장에서 인기를 끌었다. 70년대에 태어난 소비자들이 본격적인 패션의 리더로 등장하던 시대였다. 이들은 감각적인 개성에 기반을 둔 영 패션을 창조했다.

내셔널 브랜드의 탄생

80년대 초반에는 해외 유명상표들이 내수 시장에 쏟아지기 시작했다. 1979년부터 피에르 가르뎅, 크리스천 디오르, 입생 로랑, 나이키, 아디다스와 같은 수입 브랜드들이 내수 시장을 공략하면서 유사품들이 범람하기도 했다. 70년대가 맞춤복에 의존하는 ‘양장점’의 시대였다면, 80년대는 ‘브랜드’가 하나씩 등장하면서 패션산업의 얼개를 구성하기 시작했다.

70년대 후반에 여성들의 사회진출이 늘어나면서 74년 반도패션에서 여성복을 내놓기 시작하여, 1980년대는 여성정장 브랜드가 창궐한 시대다. 80년대 전반기에는 논노와 반도, 나산이 내수 시장의 패자를 놓고 겨루었다. 당시 논노와 반도패션은 사무직 여성들의 패션 아이콘으로 자리잡았다. 1980년대 말 한섬에서 TIME과 SYSTEM이라는 디자이너 브랜드의 감성에 버금가는 여성복을 내놓으면서 디자이너 브랜드들은 내셔널 브랜드의 도전을 받게 된다. 신원, 나산, 유림으로 대표되는 여성복 시장에 데코, 한섬, 줄리앙과 같은 캐릭터 브랜드들까지 가세해 새로운 여성복 전성시대를 열게 된다.

패션, 라이프스타일을 만나다

80년대는 패션에서 라이프스타일 개념이 소개되고 이것이 전 패션 스타일에 영향을 미치던 시기다. 86년 아시안게임과 88년 서울올림픽 유치로 스포츠웨어 브랜드가 활성화 되는 계기를 맞는다. Rapido, ellese, Reebok, Prospecs와 같은 스포츠 브랜드들이 시장에서 큰 인기를 끌었다. 또한 칼라 텔레비전의 보급으로, 소비자들이 해외 패션에 눈을 뜨게 되었다. 여성의 사회진입이 본격화 되면서 패션에서도 유니섹스 모드와 coordination 개념이 도입되기도 했다. 80년대 후반에 들어서면 여성의 고전적인 아름다움을 부각시킨 50년대 복고풍이 재등장하면서 바디 컨셔스 라인이 유행하고, 레이어드 룩이 등장하면서 착용자가 자신의 스타일대로 의상을 창조하고 연출하는 경향이 커졌다.

8) 한국적 쉬크(1990년대)

1990년대는 한국 패션의 근대사에서 일종의 이정표가 된 시대다. 우루과이 라운드 협정으로 샤넬, 크리스티앙 라크루아, 디오르, 루이비통 등의 해외 고가 명품브랜드가 한국의 내수 시장을 장악하면서 국내 디자이너 브랜드와 치열한 전쟁을 벌였다. 또 90년대 초 서태지와 아이들이라는 그룹이 팝 문화에 한 획을 그었다. 청소년들의 하위문화와 저항은 랩이 대표하는 힙합문화와 더불어 새로운 문화적 코드를 빚어냈다. 그들은 찢어진 청바지를 상징으로 하는 Grunge Fashion을 만들어냈다. 한편에서는 섹시미를 강조하는 여성패션이 인기를 끌고 쫄바지, 배꼽티, 미니가 재등장했으며, 슬림형 디자인이 대두되었다. 90년대는 이렇게 극단적 디자인들이 공존하는 탈 유행의 시대, 문화적 혼종성의 시대를 열었다.

동대문, 한국 패션의 실리콘 벨리가 되다

한국 패션은 90년대 후반 IMF라는 초유의 경제위기를 맞아 침체기에 빠졌다. 그러나 동대문을 중심으로 패션의 중흥기를 이끌어냈다. 동대문은 세계 최대의 패션시장이다. 1905년 광장시장으로 출발하여, 60년대 평화시장이 설립되면서 도매시장으로 자리를 잡았고, 이후 1970년대에는 대규모 종합시장으로 발전했다. 90년대에는 아트프라자, 디자이너클럽과 같은 현대식 도매상가들이 입주했으며, 90년대 후반에 밀리오레와 두산타워 등 신흥 소매상권이 들어서면서 백화점을 압도하는 패션기지로 변신한다. 대형 패션쇼핑몰은 복합패션몰로 진화하면서 젊은 세대를 유인하는 견인차 역할을 했다.

이후 외국인들이 동대문에서 패션몰의 성장모델을 발견하고 이를 배우고자 견학을 오기도 했다. 또한 동대문은 외국에서 유학하고 돌아온 신인 디자이너들의 활동무대가 되었고 여전히 그들의 창의성을 육성하는 인큐베이터로서의 역할을 하고 있다. 지금도 동대문은 기민한 생산 예측 시스템과 인터넷 주문을 통해 새로운 패션 소매형태로 진화하고 있다.

한국적 쉬크, 파리를 가다

1980년대는 현대 유럽 패션에 아시아적 가치가 영향을 미치기 시작한 첫 세대다. 패션 디자이너 이세이 미야케가 일본의 전통적 종이접기 방식인 오리가미(origami) 기법을 이용해 1980년대 서구의 패션계를 강타한 이후로, 서구는 동양의 패션이 발산하는 매력에 경탄해왔다. 그리고 그 뒤를 이어 파리에 과감하게 도전장을 낸 한국의 디자이너들이 있다.

당시 한국 의류업계는 해외로 눈을 돌리고 있었다. 1992년 디자이너 이신우가 파리에 처음 진출한 이후로, 93년에는 한복장인 이영희 컬렉션이 파리진출을 모색했고, 95년에는 이상봉이 한글 패션으로 파리지앤을 사로잡았다. 2000년에는 김지해가 파리 오트 쿠튀르에 참가하여 한국모시를 선보였다.

90년대 파리에 진출한 디자이너들은 무엇보다 한국 전통의 현대적 해석에 힘을 쏟았다. 흔히 미학자들은 아시아 3국의 매력을 일본의 색과 중국의 형, 한국의 선으로 규정한다. 당시 패션 디자이너들은 한국의 선을 추출하기 위해 다양한 실험들을 했다. 유교적 엄격성이 부여하는 단아함, 전통 문양이 가진 기하학적 아름다움, 인체의 움직임을 구속하지 않는 자연스러움, 간접적인 노출의 관능미와 풍성한 실루엣을 통한 여성 신체의 확장 등 한국의 전통복식에서 추출해낸 미의 요소들을 재구성하고 이를 선으로 환원하기 위해 노력했다. 이신우와 진태옥, 설윤형, 이영희와 이상봉은 90년대 파리 무대에서 한국 패션의 원형을 찾고 세계화의 노력에 앞장섰던 디자이너들이다.

[한국 패션의 원형을 세계화하다]

이신우, 고구려의 혼을 그리다

90년대 파리에 진출한 디자이너들 중 그 도전정신이 가장 돋보이는 디자이너는 이신우다. 1993년부터 1995년까지 총 6번의 파리 컬렉션에 참가했다. 60년대 말 'Original Lee'를 시작으로 '영우', '쏘시에', '이신우', '이신우 옴므', '이신우 콜렉션'에 이르기까지 디자이너 브랜드의 기업화라는 성공신화를 이끌었다. 91년에는 일본 마이니치 패션 대상을 외국인 최초로 수상했는데, 이 상은 이세이 미야케, 요지 야마모토, 레이 카와쿠보가 수상한 신인 디자이너 상이다.

1995년 파리 프레타 포르테 컬렉션의 테마는 ‘아! 고구려’였다. 옛 고구려 벽화의 일월(日月) 문양을 응용한 프린트로 호평을 받았다. 이 컬렉션은 조선시대에 머물러 있던 전통 재해석의 범위를 고구려 시대까지 확장했다는 점에서 주목할 만하다. 1995년 파리 컬렉션에서는 단순한 실루엣 속에 첨단의 멋을 제시하였다. 현대적인 소재와 자개 느낌의 삼족오(三足烏) 모티프를 융합하여 시공과 동서양을 초월한 미를 표현했으며, 현대적인 패션성과 결합하는 아방가르드적 면모도 보여주었다. 하이테크의 느낌이 강한 소재도 천연소재인 한지를 이용해 고구려 벽화, 식물 무늬 등을 프린트해, 이질적인 것들을 조화롭게 공존시키는 디자인 미학을 선보였다.

진태옥, 한국적 엘레강스

디자이너 진태옥은 한국 패션사의 대모이다. 1965년 자신의 브랜드 ‘프랑소와즈’를 설립한 이후, 1990년 SFAA를 결성하고 초대회장이 되었고, 이후 파리에 진출, 컬렉션을 통해 한국적 선과 여백, 중첩의 미를 보여주었다. 1998년에는 영국의 PHAIDON 출판사에서 간행된 THE FASHION BOOK에 한국 디자이너로서 최초로 선정되기도 했다. 1994년 F/W 컬렉션에서는 시폰을 소재로 한 팬츠 위에 드레스를 입고 그 위에 블라우스를 겹쳐 입어, 안감을 대지 않고도 소재의 중첩으로 자연스레 몸과 옷에 비침과 감춤의 효과를 드러냄으로써, 한국 특유의 관능미를 보여주었다. 95년에는 활옷의 문양을 자수 처리하여 이를 데님과 매치시키는 대담함도 보여주었다. 한국 전통소재인 모시를 미래 지향적인 신소재와 함께 사용해 롱 드레스를 만들거나, 한복 저고리의 여밈을 해체하여 서구적인 아방가르드 풍의 의상으로 재해석하기도 했다.

설윤형, 한국의 문양에 홀리다

디자이너 설윤형은 한국 전통의 색채와 문양을 현대화하는 작업에 초점을 맞추었다. 조선시대 왕의 병풍으로 사용된 일월오봉도(해와 달, 다섯 개의 봉우리가 그려진 그림)나 색동저고리 등의 한국적 문양을 자수와 패치워크, 누비, 염색 등 다양한 수공예 기법을 이용해서 표현했다. 보자기를 연상시키는 화려한 색채 덩어리를 패치워크 처리하여 만든 이브닝 드레스는 특히 눈부시다.

9) 한류, 패션의 새로운 물길을 트다(2000년대에서 현재까지)

2000년도부터 현재까지 한국 사회 내부에서 벌어지는 패션의 속도를 따라가기란 쉽지 않다. 대중적인 로고와 브랜드 중심의 패션 소비에서, 독특한 디자인과 스타일로 소비자들의 관심이 옮겨갔다. 이는 다양한 스타일의 공존이 가능한 문화로 진화되었다는 뜻이다. 2000년대 중반에는 기존의 스트라이프나 체크뿐만 아니라 플라워, 로고, 팝 아트에 이르기까지 다양한 디자인과 컬러의 프린트물이 아이템에 관계없이 폭넓게 사용되면서 서로 다른 프린트물끼리의 코디가 새로운 트랜드로 부상하였다. 2007년에는 반짝이는 라인스톤의 과감한 장식과 영롱한 광채를 띠는 주얼리의 사용, 니트 소재와 폭이 넓은 7부 소매, 리본 장식의 로맨틱한 미니스커트 스타일이 유행했다. 기존의 미니멀리즘을 넘어서 예전에는 생각하지도 못했던 연두나 노랑, 오렌지색을 사용하거나, 과장된 장식을 추구하여 그래픽 무늬나 펑키한 디테일들이 등장하는 Maximalism 경향도 대두되었다.

붉은 악마와 겨울연가를 넘어

2000년대는 본격적인 한류바람의 토대가 구축된 시기다. 2002년 월드컵은 세계 속에 한국의 ‘붉은 악마’의 강렬한 느낌을 각인시켰다. 당시 붉은 악마 응원팀이 입었던 의상과 그 위의 전통무늬는 폭발적인 인기를 끌었다. 2004년에는 드라마 <겨울연가>의 일본 수출과 현지에서의 폭발적인 반응으로 인해 주인공이었던 배용준과 최지우의 옷차림, 스카프, 헤어스타일이 유행했다. 영화와 드라마, K팝을 통한 한류 열풍이 동남아를 넘어 유럽과 북미로 퍼지면서, 이와 더불어 신진 디자이너들의 해외 진출이 더욱 탄력을 받고 있다.

온라인 패션시장과 편집샵의 열기

인터넷과 SNS의 발달로 백화점을 위협할 정도로 온라인 의류 판매가 확대되었다. 98년 초부터 생기기 시작한 해외 수입명품 브랜드 중심의 하이엔드 편집샵이 2000년대 이후 대기업들이 SPA(Speciality retailer of Private label Apparel) 전쟁에 뛰어들면서 라이프스타일에 초점을 맞춘 편집샵으로 변모했다. 이후 한류열풍과 더불어 국내 디자이너 상품에 무게를 실은 편집샵이 등장하여 강세를 이뤘다. 편집샵은 단순히 패션상품을 판매하는 장소라는 의미를 넘어 컬처코드형 컨셉샵으로 진화하면서 패션 소비시장의 지형도를 새롭게 그리고 있다.

3장 Culture to Catwalk-디자이너 10인의 스토리

패션 산업에서 디자이너는 가장 중요한 존재다. 디자이너는 단지 각 시즌을 위한 옷을 만드는 존재가 아니다. 패션 디자이너가 없이는 한 벌의 옷(clothes)은 패션이 되지 못한다. 그들은 패션이라는 글래머의 세계를 비추는 일종의 별이다. 한 나라의 패션 디자이너들은 자신이 몸 담고 있는 사회의 단면을 옷으로 표현하고, 그 속에 잠재된 문화적 역량을 런웨이를 통해 재현한다.

1985년 파리 컬렉션 진출 이후로 한국 디자이너들의 해외 활동은 눈부신 성과를 보여주고 있다. 해외시장에 대한 지식 없이 도전 정신 하나로 부딪쳐서 오늘날 한국 패션의 발흥을 일궈내기까지, 그들의 노력이 없었다면 불가능한 일이었다. 이 장에서 소개하는 10명의 디자이너는 1.5 세대에서 최신예까지 다양한 스펙트럼을 자랑한다. 이들에 관한 이야기는 단순히 그들이 만들어낸 옷에 한정되지 않는다. 한국 문화의 해석자로서의 그들의 관점과 역동적으로 변모하는 한국사회의 다양한 얼굴을 그들의 옷을 통해 읽어보는 과정이 될 것이다.

1) 한국 전통의 미를 재해석한 ‘이상봉’

이상봉은 현존하는 한국 최고의 패션 디자이너다. 그의 이력은 한국 현대 패션의 과거를 투영하고 미래적 비전을 보여주는 나침반이다. 이상봉은 1983년 중앙디자인 컨테스트에 입상한 후 중앙디자인 정기 컬렉션에 참가함으로써 자신의 브랜드 ‘LIE SANG BONG’을 시작했다. 1985년에는 남산 본사와 명동 매장을 열어, 매장에서는 패션쇼 의상을 판매하지 않았던 당시의 불문율을 깨고 컬렉션 의상을 매장에 걸어 마니아를 만들어 냈다. 스타 디자이너 시대를 연 것이다.

국내에서 스타 반열에 오른 그는 해외 시장으로 눈을 돌렸다. 1990년에 처음으로 파리 프레따 포르떼와 뉴욕의 PRET 전시에 참가했고, 94년 도쿄 ‘Wind of Asia’, 95년과 97년 오사카에서 열린 ‘World Fashion Collection’ 등 아시아에서 열리는 다양한 국제 행사에 참가해 해외 프레스 및 바이어로부터 찬사를 받았다.

2002년 3월부터 최근까지 파리 프레타 포르테 컬렉션에 참가하고 있는 그는 유럽 시장에 한국 패션을 알리는 국가 대표다. 한글, 소나무, 전통 자수, 조각보, 민화, 산수화, 단청 등의 한국적인 모티브를 서양복 스타일에 접목시킨 동양적 감성으로 서구의 눈길을 끌었다. 2003년 파리에서는 무속인 김해경 씨의 굿 퍼포먼스와 함께 동양적 샤머니즘의 세계를 표현한 의상들을 선보였다. 한국의 전통적 색채와 매듭, 자수 기술을 이용한 섬세한 디테일은 ‘굿’이라는 전통 무속의 세계를 흥분과 섹시, 글래머러스한 느낌으로 풀어냈다.

2006년은 그가 스타 디자이너로 방점을 찍는 데 터닝 포인트가 되었다. 프랑스 파리 who’s next 전시회에서 선보인 한글 패션이 주목을 받게 된 것이다. 그는 한글 서체의 미학과 아름다움에 반해 패션과 한국의 캘리그라피를 결합시켰다. 마치 옷 속에 한글이 스며들 듯, 한글을 프린팅하거나 염색한 천을 서구복식의 실루엣과 결합하여 동서양을 하나로 묶었다. 이듬해 프르미에르비종(세계 최고의 원단시장)에서 유럽의 디자이너들이 한글의 재발견이라는 테마 하에 그의 아이디어를 빌린 다양한 디자인을 선보이기도 했다. 그의 전통의 현대화 작업은 시간이 흐를수록 점차 추상화의 단계를 거치며 세계 보편의 언어로 변하게 된다.

2011년 S/S 파리 컬렉션에서는 알레한드로 조도로프스키의 초현실주의 영화 <성스러운 피, 산타상그레>에서 영감을 얻은 작품을 선보였다. 억압으로부터의 자유를 상징하는 새의 모티브가 옷의 전면에 투영되는데, 여기에서도 한복의 동정선과 버선코의 둥그런 선을 조합한 의상을 선보였다. 한국적 쉬크를 과시적으로 드러내기보다 패션에 방점을 찍는 요소로 환원한 것이다. 이후 2011년 F/W에서는 한국의 야트막한 산하의 능선을 그려냈다. 능선들이 서로 겹치며 빚어내는 레이어드된 선을 옷에 결합시켜 단아하면서 ‘화려하지 않은 자연’의 미를 그렸다.

한국의 1세대 디자이너들이 파리 진출에서 보여준 강렬한 전통적 모티브들은 이상봉의 손을 통해 ‘작은 것의 아름다움’에 눈을 뜨기 시작한다. 2012년 S/S에서 이상봉은 단청을 통해 한국적 색채의 다채로움을 소개했다. 2012년 F/W에서는 한국의 돌담길을 적용했다. 자신의 위용을 토해내는 서양의 거대한 건축물들과 달리, 돌담길은 자연의 품속에 인간을 품는 병풍과도 같다. 전통에 대한 그의 해석은 여전히 진행형이다.

현대미술의 다양한 영역에서 패션의 영감을 얻는 이상봉은 현대미술의 열혈 컬렉터이기도 하다. 그는 2010년 세계 디자인 도시로 선정된 서울의 홍보대사를 맡아 2008 서울 디자인 올림픽의 아이콘인 디지털 큐브를 큐비즘으로 풀어냈다. 이 큐브의 원형은 한국 전통의 조각보이다. 조각보를 해체한 후 이를 큐브와 결합시켜 독특한 드레스를 만들어냈다. 서구와 동양의 각자의 전통을 해체한 후 디자인의 언어로 결합시켰다는 평가를 받았다. 2008년 아코디언의 주름을 가방에 접목한 아코디언 백은 파리를 사로잡았고 <세상을 바꾼 50개의 가방>에 실렸다. 그는 다양한 현대미술 작가들과의 협업을 통해 패션의 지평을 넓혀왔다. 구조적인 디자인에 조각적인 요소를 더한 패션조각(Fashion Sculpture)이라는 장르를 탄생시켰고, 조각가 박승모와의 협업을 통해 금속성의 재료를 마치 실처럼 자유자재로 구사하는 마법을 보여주었다.

그는 말한다. “디자인은 바람과 물과 같다. 물은 흐르지 않으면 썩는다. 어떤 그릇에 담기든 간에 물은 그 모양과 형식을 자유롭게 바꾼다. 바람도 마찬가지다. 바람이 스스로 원하는 곳으로 부는 것처럼 나의 생각과 영혼, 스타일도 어디든 자유롭게 다니기를 원한다. 나에게 디자인은 물과 바람과 같아서, 그것은 항상 새롭고 가벼워야 한다.”

그의 디자인은 끊임없는 흐름 속에서 포착된다. 현재와 과거를 옷이라는 오브제에 화석으로 심는 지칠 줄 모르는 그의 작업을 보며, 한국 패션의 거장이라는 애칭은 결코 아깝지 않다.

2) 바람의 옷 한복을 세계에 알린 ‘이영희’

한복만큼 질서와 조화를 꿈꾸는 옷이 없다. 한복에는 자연과 인간의 조화가 있다. 밤 껍질을 모아 베이지색 물을 들이고 봉숭아로 다홍빛 물을 들인다. 타이트한 상의와 풍성한 치마가 조화를 이루고, 음과 양이 하나가 되어 시대 속에서 조형되는 인간의 미를 가꾼다. 한복이 가진 단순함와 간결한 선의 미학은 현대 패션에도 면면히 영향을 미쳤다. 이영희는 36년의 세월을 한복에 바친 장인이자 디자이너다.

1976년 ‘이영희 한국의상’을 오픈하며 디자이너의 길에 들어섰다. 이후 한복의 현대화와 세계화를 평생의 숙제로 삼고 온 삶을 던졌다. 1993년 파리 프레타포르테 참가를 시작으로 94년에는 한국 최초로 파리에 부티크를 열어 ‘파리에서 가장 예쁜 가게’에 여러 차례 뽑혔다. 1996에는 파리의 Musee de l'Orangerie에서 ‘한복: 바람의 옷’ 전시회를 열었고, 2000년 6월 미국 뉴욕 카네기홀에서 패션 퍼포먼스 ‘Wind of History’를, 2001년 평양 초청 공연에서 ‘이영희 민속의상전’을 선보였다. 이후 Hanbok이라는 고유명사를 파리의상조합협회에 등재시켰다.

2004년 9월에는 뉴욕 맨해튼의 24번가에 Lee Young Hee Museum of Korean Culture를 열고 지난 25년 동안 수집했던 한복, 노리개, 골동품 등 1,000여 점을 기증하여 우리 문화의 장을 만들고 해외에 한복의 미를 알렸다. 2005년 Pusan APEC 정상회의 때는 그녀가 제작한 두루마기를 21개국 정상들에게 입혀 찬사를 받았다. 2007년 5월 미국 워싱턴 스미소니언박물관에 그녀가 만든 열두 벌의 옷이 영구 소장되기도 했다.

미국의 저명한 패션 디자이너 캐롤리나 헤레라는 뉴욕 2011년 S/S 컬렉션에서 한복의 미를 변주한 다양한 작품들을 선보였다. 한국의 갓과 한복의 여밈, 전통문양을 차용해 재해석한 이 작품들의 영감의 배후에는 이영희 박물관의 영향이 있었다. 오랫동안 디자이너 이영희가 한복의 미를 해외에 수출하기 위해 노력한 가시적인 성과 중 하나다.

오랜 세월에 걸쳐 아름다움의 기준을 만들고, 신체를 조율하고, 거기에 합당한 패션을 만들어내기에 전통은 아름답다. 한국 고유의 오방색과 단청 무늬, 여인의 한복이 그렇다. 그러나 그 아름다움을 지어낸 정신의 기준이 아닌 형태에만 사로잡히면 시대에 뒤떨어지게 된다. 디자이너 이영희는 이러한 사고를 깨뜨렸다. 한지와 실크를 섞어 실로 만들어 짠 풍성한 실루엣의 드레스를 보라. 샤넬의 체인벨트가 그저 한복을 돋보이게 하는 소품으로 사용되었을 뿐, 아름다움의 원형은 그대로 살아있다.

이영희는 조선시대 신윤복의 그림을 좋아했다고 했다. 그림 속 기녀는 사랑의 시간을 기다리는 듯 옷고름을 풀고 있다. 신윤복의 그림 전반에 걸쳐 배어 나오는 소박한 에로티시즘이 녹아 있는 그림이다. 이 당시 복식의 특징은 하후상박이다. 다시 말해 치마는 풍성하게 상의는 몸에 딱 맞게 입는 것이다. 아이보리색 저고리는 배래와 길이가 몸에 딱 붙을 만큼 타이트하다. 가슴선을 여리게 처리해, 봉긋한 가슴을 강조한다. 곁마기와 깃, 고름은 먹물을 푼 자주빛이고, 여러 번 돌려 맨 치마는 바랜 듯 회색을 띤 쪽빛이다. 풍성한 치마의 주름은 서양의 드레이프와 맞설 태세가 되어 있다. 그 주름 한 폭 한 폭에 배어있을 여인내의 농염한 속살의 향기가 느껴진다. 여인의 트레머리의 풍성함이 치마와 함께 시선을 모으며 시각적 균형을 만들어낸다. 절묘한 패션 코디네이션이다. 디자이너 이영희는 이런 한복의 매력을 표현하고 싶었다고 했다. 이런 도전과 노력은 프랑스에서 엄청난 파급효과를 불러일으켰다.

3) 영원한 페미니티의 노래 ‘손정완’

손정완은 숙명여자대학에서 산업공예를 전공하고, 졸업 후 1989년 손정완 브랜드를 설립했다. 지적이고 세련되면서 섹시한 멋까지 겸비한 그녀의 의상은 짧은 시간에 성공을 거두었다. 그 결과 1993년 한국 패션기자협회가 선정한 황금바늘상을 수상했다. 매 시즌 현란한 색상과 실루엣을 빚어내는 손정완의 컬렉션은 여성적인 매력이 가득한 꿈의 옷장이다. 20대에서 40대 고객층을 아우르는 그녀의 옷은 엄마와 딸이 함께 입을 수 있는 로맨틱한 패션을 표방하며, 1998년부터 2005년까지 롯데백화점 선정 베스트 브랜드로 뽑혔다. 이후 2005년에 서울시가 선정한 ‘올해의 디자이너상’을 수상했다.

이듬해인 2006년에는 파리의 WHO’S NEXT 초청 단독 패션쇼를 열었다. 손정완의 럭셔리한 컬렉션은 호화로운 소재를 사용한 드레스로부터 그자체로 나무랄 데 없는 완성도를 지닌 탑, 스커트, 바지, 재킷 등의 단품까지 포괄한다. 각각의 컬렉션에서 그녀는 때로는 귀엽고 여성스러운, 때로는 시크하고 스타일리시하며 섹시한 여성의 이중적 본능을 포착한다. 오늘날 손정완은 37개 매장을 보유하고 2009년 기준으로 370억 원(3400만 달러) 이상의 매출을 기록한 한국에서 가장 큰 규모의 디자이너 브랜드 중 하나다.

손정완의 2012 F/W 컬렉션의 테마는 영국의 작가 마크 퀸의 <겨울정원> 작업에서 아이디어를 빌려왔다. 마크 퀸은 꽃을 소재로 한 드로잉과 설치미술, 조각을 선보여 플라워아티스트라고 불린다. 화려한 색감으로 조율된 마크 퀸의 겨울 정원의 애잔함과 완성될 수 없는 로맨틱한 정서를 적나라하게 표현한 손정완의 컬렉션, 그것을 완성하는 힘은 완벽한 바느질이다. 시들지 않는 동결된 꽃들의 세계라는 정서를 모티브로 한국의 전통 자수와 프린트를 이용, 섬세한 여성미를 물씬 토해내는 여인들의 정원을 만들었다. 소재들을 이질적으로 배합해내는 기술도 더욱 돋보였다. 파이톤(비단뱀피)과 벨벳과 울 코팅, 무엇보다 토르소와 어깨 상단까지 이어지는 다양한 모피 트리밍이 있어 따스하고 심미적이다.

손정완은 2년 전부터 뉴욕패션위크에 연속 진출하며 해외시장에서도 호평을 받고 있다. 2013년 S/S에서는 스페인 출신 화가 호앙미로의 <Everything under the sun>에서 영감을 얻어, 겨울 한기를 견뎌낸 울창한 숲, 봄의 기운들이 찬란하게 피어나는 순간들을 옷으로 그려냈다.

4) 유럽의 옴므를 매혹하다 ‘우영미’

남성복 디자이너 우영미는 1982년 성균관대 의상학과 졸업 후, 1983년 일본 오사카 국제 패션 콘테스트에서 3위를 차지했다. 이후 반도패션에서 실무를 경험했고, 1988년 황폐한 불모지 같은 한국 남성복 분야에서 자신의 고유 브랜드 SOLID HOMME를 런칭했다. 1993년부터 2001년까지 서울 뉴웨이브 컬렉션에 참가했으며, 2001년에는 한국 패션협회가 선정한 올해의 신인 디자이너상을 수상했다.

2002년부터 브랜드 WOOYOUNGMI를 런칭한 후, 현재까지 Paris Menswear Fashion Week에 지속적으로 참가하고 있다. 2006년 파리 마레 지구에 플래그십 숍을 열었고 곧이어 봉마르셰 백화점에 입점했다. 2007년에는 영국 런던 셀프리지백화점에도 입점했다. 파리의 매장들이 여성복에 강한 반면 남성복에 취약하다는 점을 공략하여, 현지인들의 호평을 받고 있다.

2009년 일본 진출과 함께 이탈리아, 홍콩, 캐나다, 러시아, 호주 등 17개국에 매장을 열었다. 현재 일본에서는 신주쿠, 나고야, 롯폰기의 단독매장 3개점 외에도, 하이엔드 셀렉트숍 Via Bus Stop 휘하의 남성복 멀티숍 7개점 가운데 3개점 상품의 절반 비중을 WOOYOUNGMI로 구성할 정도로 인기가 높다. 우영미의 성공모델은 해외시장 진출을 준비하는 디자이너들에게 항상 좋은 예가 된다. ‘한국적인 것이 세계적인 것’이라는 모토를 버리고, 무국적과 보편의 미학을 받아들이기 시작한 것이 그녀가 거둔 성공의 핵심이기 때문일 것이다.

정성이 돋보이는 손재주에 기발한 아이디어까지 얹은 우영미만의 상품은 특히 인기를 끌었다. 남성 매거진 <GQ>와 <톱맨>은 WOOYOUNGMI를 ‘남자가 꼭 체크해야 할 브랜드 10개’에 선정했다. 프랑스 주력 신문 <Le Figaro>에서는 컬렉션마다 그녀의 기사를 싣고 있으며, 프랑스의 <LA Tribune>에서는 두각을 일으키고 있는 디자이너 4인 중 하나로 우영미를 선정했다.

우영미의 디자인은 항상 유럽과 아시아를 넘어 남성성에 대한 새로운 정의를 시도한다. 2008 F/W의 ‘Unexpected Silhouette’에서는 변덕스런 겨울 날씨 아래 후드와 모자를 여미는 Neo Yuppies의 세계를 선보였고, 2011 F/W 파리 남성컬렉션에서는 셔링을 넣은 블레이저와 볼레로, 넓은 팬츠 등을 통해 디테일과 남성적 우아함을 동시에 보여주었다. 2012/3 F/W에서는 미국의 사실주의 작가 에드워드 호퍼의 작품에서 영감을 받아 고독한 현대 도시의 로맨틱한 남자들을 표현했다. 그녀의 손길 아래 도시 남성들은 특정한 국적을 버리고 남자의 보편성을 획득한다.

5) 파리의 한국인, 런웨이에 도전하다 ‘문영희’

디자이너 문영희는 파리 프레타 포르테에 1996년 처음 참가한 이후 한 시즌도 거르지 않고 16년간 32회의 파리 컬렉션을 소화해낸 디자이너다. 이 같은 성과를 높이 인정받아 한국 디자이너로서는 최초로 2008년 8월에 프랑스 정부로부터 문화 예술 발전에 기여한 이에게 주어지는 L’Ordre National Du Merite을 받기도 했다.

국제 무대에 서는 디자이너가 되겠다는 생각으로 성균관대 불어불문학과에 진학, 1969년 대학 졸업과 동시에 한 패션회사에 수석 디자이너로 입사했고, 1975년엔 자신의 성(姓)을 딴 Moon Boutique를 설립했다. 꿈에 그리던 파리에 'SARL'이라는 법인을 낸 것은 1994년. 1995년 겨울 파리 패션협회로부터 인정을 받아 이듬해 프레타포르테 가을 시즌에 참가하게 됐다. 이후 해외 유명 패션 매거진들은 유명 브랜드의 작품과 같은 범주로 그녀의 옷을 분류하여 보도해오고 있다.

Charlot 街 62번지에 있는 그녀의 아틀리에는 프랑스와 한국이라는 두 개의 상이한 정체성이 공존을 위한 상상력의 날개를 펴는 곳이다. 문영희의 디자인은 동양과 서양이라는 두 개의 이원적 세계를 교류시키려는 자신의 영감을 담는다. 그녀의 실루엣에는 남성적 요소와 여성적 요소가 서로 섞이고, 육감과 섬세함이 어우러진다. 2012년 S/S에서 보여준 그녀의 작업에는 지금껏 그녀가 파리에서 이방인으로 살아가면서 한국적인 것을 자신의 것으로 해체, 재해석하고자 노력했던 흔적들이 녹아있다. 모더니티와 벨 에포크 시대를 결합해 새로운 느낌의 실루엣을 선보이는가 하면, 한국의 전통적 보자기를 해체해 부분적으로 직물 위에 재결합했다. 서양인의 눈에는 이것이 몬드리안적 사고의 확장으로 보일 것이고, 한국인의 눈에는 전통 한지공예를 이용한 접기 조형으로 보일 것이다.

2012 F/W에서는 중성적인 느낌의 Garson룩을 선보였다. 흑과 백의 대비, 가볍게 풀어헤친 듯한 주름으로 볼륨감을 준 의상, 누빔 장식한 패딩과 날카로운 절개선이 돋보이는 의상이 런웨이를 걸었다. 문영희 특유의 한없이 가볍고 투명에 가까운 부드러운 소재와 실루엣은 한복적 선의 미학을 구성하는 한편, 소재의 질감과 원산지를 캐묻는 뉴요커들의 감성에도 잘 어울린다.

영화 <Smoke>에는 '소중한 것은 공기보다 가볍다'라는 대사가 나온다. 우리는 흔히 ‘가볍다’라는 서술어를 진중하지 못하다거나 내용이 부실하다는 식으로 오해할 때가 있는데, 이러한 언어의 감옥을 깨는 디자이너가 바로 문영희다. 그녀는 항상 자신의 뿌리가 한복이 가진 simplicity와 주름에 있다고 이야기한다. 문영희의 옷은 두 개의 세계 사이에서 길을 잃지 않고 균형감을 잡는 쿠튀리에의 마법을 선보인다.

6) 현대에 태어난 전통의 침선장 ‘이진윤’

최상의 바느질이란 뜻을 넘어, 맞춤복을 뜻하는 ‘Haute Couture’는 1868년 파리 의상조합이 설립된 후 옷을 제작함에 있어 경지에 이른 장인들이 작품을 출품하는 쇼다. 고급스럽고 우아한 컨셉을 강조한 컬렉션의 특성상, 전통적인 노하우를 바탕으로 수공의 창의적인 바느질을 통해 작품을 예술적으로 승화시켜야 한다. 이런 깐깐하기 그지없는 파리의 오트 쿠튀르에 과감하게 도전장을 내민 디자이너가 있다. 바로 이진윤이다. 최근 그는 파리 의상조합에 신인 디자이너로 등재되었다.

이진윤은 2009년 스페인에 본사를 둔 세계적인 패션 브랜드 MANGO가 주최한 제 2회 ‘El Boton Mango Fashion Award’에서 그랑프리를 차지했다. MANGO는 ‘LEE JEAN YOUN for Mango’라는 이름으로 전 세계 1,260여개 매장에서 그의 옷을 판매했다. 이진윤은 망고 컬렉션에서 서양의 Rock 스타일에 한국적 모티브의 디자인 요소를 차용했다. 한복바지에서 영감을 받은 배기팬츠에 한국적인 소재인 실크를 워싱해 jean의 느낌을 살리기도 하고, 쉽게 입고 벗을 수 있도록 패턴 변화를 시도하기도 했다. 또한 오간자를 사용해 동양의 신비로움을 표현하는 데 초점을 맞추었다. 또한 이진윤은 한국인의 옷을 입는 태도에 주목했다. 예를 들면, 한복을 입을 때 여인들이 가슴에 손을 얹어 가리며 고개를 숙이는 모습이라든지, 갓을 쓰는 선비들의 꼿꼿함이 그것이다. 그는 우리가 옷을 입는 태도의 아름다움을 옷으로 풀어냈다.

이와 같은 작업 방식은 프랑스 파리에서 열린 2010 S/S 오트쿠튀르 패션쇼 무대에서 여실히 드러난다. 장 폴 고티에, 발렌티노 사이에서 치러진 이진윤의 오트쿠튀르 데뷔 패션쇼는 숯에서 영감을 받은 의상들을 선보였다. 숯이 가지는 다양한 형태미와 색상을 오간자를 주재료로 하여 심플하고도 정교하게 표현했다. 검은색 의상에서 시작해 회색 의상으로 마무한 것은 숯이 타서 재가 되는 과정을 형상화한 것이다.

그는 이후에도 지속적으로 파리 오트 쿠튀르에서 한국적인 정서의 모티브를 변형하고 재구성해서 선보엿다. 예를 들어 모자는 갓, 신발은 버선, 의상은 한복, 헤어는 쪽진 머리에서 모티브를 따오는 식이다. 이는 현지 언론으로부터 한국적 오리엔탈리즘을 각인시켰다는 평을 얻었다. 2011년 파리 컬렉션에서는 한복 색동저고리를 연상케 하는 탑과 깃털이 장식된 오간자 스커트, 버선코 모양의 구두, 짚으로 만든 헤어 장식 등 한국적 아름다움을 최상의 바느질로 표현해했다. 그는 현대에 태어난 전통의 침선장이다.

7) 미셸 오바마의 엘레강스를 만든 ‘두리 정’

두리 정은 4살 때 가족과 함께 미국으로 이민, 1995년 파슨스 디자인스쿨 졸업 시 ‘올해의 디자이너’ 상을 수상하면서 전설적인 미국 쿠튀르 디자이너 Geoffrey Beene에게 발탁되었다. 6년간 제프리 빈 밑에서 일한 후 부모님의 세탁소 지하에 스튜디오를 마련하고 자신의 부티크를 열었다. 이 과정에서 9.11 테러로 자신의 쇼가 공중분해 되고, 파트너와 함께 차린 숍을 접게 되는 등 우여곡절을 겪는다.

그러나 그녀는 이 모든 것을 극복해 내고, 패션계의 주목할 만한 신인에게 부여하는 2003년 Woolite Fashion Future Grant, 2004년에는 Ecco Domani Fashion Foundation Award를 수상했다. 이어 미국의 시사주간지 <뉴스위크>의 2006년 패션부문 유망주, CFDA(미국패션디자이너협회) 패션어워드 신인 여성복 디자이너 부문 수상자, 그리고 삼성패션디자인펀드(SFDF)의 첫 수혜자로 선정되며 능력을 인정받는다. 그녀의 삶을 다룬 다큐멘터리 영화 <Seamless>가 제작되어 2005년 Tribeca Film Festival에서 초연되었고, 최근에는 미국패션디자이너협회(CFDA) 정식 회원으로 등록되었다.

‘Doo.Ri’ 컬렉션은 뉴욕의 ‘바니스뉴욕’, 소호의 매장을 비롯해 스위스, 사우디아라비아, 아랍에미리트연합, 일본 등 전 세계 22개 컬렉션 숍에서 판매될 만큼 상업적인 성공을 거두었다. 최근에는 미국 Gap과 클래식 화이트 셔츠를 모티브로 ‘Gap design Edition’ 콜라보레이션을 진행했다. 미국 내 신인 디자이너들의 패션 인큐베이터이자 컨설턴트인 Mary Gehlhar은 자신의 저서 <Fashion Designer Survival Guide>에서 그녀의 도덕성과 건강한 비즈니스 마인드에 대해 극찬하기도 했다.

한 매체와의 인터뷰에서 두리 정은 드레이프가 들어간 Jersey 드레스로 대표되는 자신의 디자인에 대해 ‘고도로 세련된 여성스러움을 표현하는 공식’이라고 정의했다. 그녀는 이 인터뷰에서 자신에게 영감을 주는 사람이 디자이너 앤 드뮐뮈스터와 현대무용가 Martha Graham이라고 밝혔다. 마사 그레이엄은 무용계의 피카소라고 불리며 현대무용의 다양한 어휘들을 만든 안무가다. 그녀가 중요시 여기는 무용의 원칙 중 하나가 몸으로 빚어내는 일련의 주름 같은 동작들이다. 솔기와 다트를 없애고 저지 소재와 드레이핑을 이용해 자연스레 여인의 몸을 감싼 뒤, 그 위로 우아한 결을 창조해내는 쿠튀르적 장인의식이 두리 정 디자인 철학의 핵심이다. 드레이핑이 만들어내는 입체감으로 인해 그녀의 옷은 앞, 옆, 뒤 어디에서 보느냐에 따라 느낌이 선연하게 달라진다. 이외에도 소재를 다양하게 Mix & Match시킴으로써 부드러움과 강렬함의 두 세계를 포용한다. 두리 정의 옷은 주름의 아름다움을 빚으며 그 속에 갈등하는 이질적인 요소들을 촘촘하게 접어낸다.

8) 한복의 무한변주, 그 위를 질주하는 ‘김혜순’

2012년 파리 컬렉션에서 세계적인 디자이너 드리스 반 노튼은 아시아의 영감을 들고 런웨이를 찾았다. 그는 한국의 한복 디자이너 김혜순과의 콜라보레이션으로 한복 저고리의 동정 부분을 프린트해서 이를 컬렉션에 응용했다. 김혜순은 전통 복식 연구가이자 전 세계가 인정한 한복 디자이너다.

한국에서 만들어진 역사극의 웬만한 의상은 그녀의 손길이 가지 않은 곳이 없다. 드라마 <토지>,  영화 <서편제>, <천년학> 등의 의상을 제작하였고, 특히 2006년 방영된 KBS TV 드라마 <황진이>에서 다양한 무늬와 화려한 색감의 한복으로 시청자들의 눈을 사로잡았다.

드라마 <황진이>의 의상은 조선시대의 셀러브리티인 기생의 존재와 그들의 복식이 가진 찬연한 아름다움에 눈뜰 수 있는 기회를 주었다. 조선의 예인으로서 패션 리더였던 기생들은 홍, 녹, 황, 감색의 원색을 써서 옷을 만들어 입었다. 저고리 길이를 유난히 짧게 하여 흰 치마허리가 드러나게 입었고, 치마 허리에는 자수를 넣었다. 겉치마 밑에 허리 치마를 여러 겹 입어서 가슴보다 둔부를 한층 부풀려 강조했다. 속에 입은 십여 가지의 속곳을 덮기 위해 치마폭도 넓었으며, 율동미를 주기 위해 치마의 길이도 길었다. 남자의 눈길을 끌고자 하는 심리에서 치마 밑으로 속곳을 노출시켜 입는 것도 기녀복의 특색이다. 드라마 <황진이>를 통해 김혜순은 한국의 기생 복식이 가진 절제된 에로티시즘을 여과 없이 보여주었다.

그녀는 한복의 전통성을 수호하면서도, 한편으로는 한복이 다양한 변주가 가능한 옷임을 증명하기 위하여 ‘영국왕실과 한국 전통의 만남’, ‘2010년 G20패션쇼’, ‘조선의 왕비 파리에 가다’ 등의 패션쇼에 참여하였다. 또한 해외 브랜드 FENDI와의 바게트 핸드백 콜라보레이션으로 펜디가 뽑은 ‘세계 아티스트 10인’에 이름을 올렸다. LG와의 화장품 콜라보레이션에도 참가하여 오얏나무의 전통 패턴이 가진 아름다움을 알렸다.

김혜순은 디자이너면서 동시에 학자다. 그녀는 우리나라 저고리의 역사와 원형을 연구해 ‘저고리 600년사’ 전시를 기획했다. 디자이너 드리스 반 노튼이 발견한 한국적 아름다움도 이 저고리의 동정선에 있었다. 저고리는 봉제나 소재, 장식의 작은 변화에 따라 백만 가지 종류가 있다. 상고 시대의 긴 저고리에는 평원을 달리는 호방한 여인의 기상이 어려있고, 조선시대의 초미니 저고리에는 집에 갇힌 채 분출되지 못했던 여인의 에로티시즘이 숨겨져 있다. 김혜순에게 전통은 백만 개의 변주를 위해 끊임없이 연구해야 하는 ‘캐야 하는 탄광’과 같다.

9) 한국의 루부탱을 꿈꾸는 ‘이겸비’

이겸비는 1994년 에스모드 서울을 졸업한 후 Icinoo Collection, Vincis Bench, Ssamzie, Obzee 등을 거치며 패션 디자인이라는 세계에서 오로지 구두만을 취급하는 디자이너로 한길을 걸어 왔다. 현재 그녀는 본인의 브랜드인 'Kyumbie'를 운영하며 패션 디자이너들과 다양한 협업을 이끌어가고 있다. 한국에서 열리는 웬만한 패션 컬렉션에는 다 그녀의 구두가 들어간다.

Icinoo Collection에 몸담았던 4년 동안 그는 슈즈 디자이너라는 천직을 얻게 된다. 당시 이신우 컬렉션은 캐릭터 있는 디자이너 액세서리 브랜드로서 30여 개 백화점 매장으로 세력을 확장했었다. 디자이너에게 서열 순이 아니라 실력 순으로 기회를 주기로 유명했던 이곳에서 이겸비는 1년 만에 이신우 패션쇼에 선보이는 슈즈 디자인을 전담할 정도로 실력을 인정받았다. 무엇보다 실용적이면서도 크리에이티브한 캐릭터 감성으로 어디서도 찾아볼 수 없는 독자적인 스타일을 연출하는 것으로 높게 평가 받았다.

이후 Vincis Bench 런칭 멤버로 활동하다가 Ssamzie의 캐릭터슈즈 브랜드 NIMA를 2000년도에 런칭, 디자이너슈즈 개념을 처음 도입했다. 쌈지에서의 활동 이후 Obzee에서 액세서리 팀장을 맡았으며, 이후 프리랜서로 활약하면서 이색적인 시도로 디자인의 폭을 넓혀갔다. 최근에는 한류열풍과 더불어 중국시장에서 숱한 러브콜을 받고 있다.

그녀는 구두를 소재로 디자인과 예술의 영역을 넘나들면서 활동하고 있다. 현재 그가 만드는 구두 브랜드만 세 가지. 최첨단의 아방가르드한 스타일에서부터 도매시장에서 팔리는 것까지 컨셉도 대상이 되는 시장도 각각 다르다. 그녀의 구두는 특히 영화계에서 인기가 높다. 영화 <댄싱퀸>, <마린보이>, <예스터데이>의 여주인공들이 신은 구두를 만든 것도 그였다.

구두는 ‘유혹의 언어’라고 믿는 그녀는 현대미술과 지속적인 콜라보레이션을 통해 한국적 전통의 미를 구두로 표현한다. 2009년 Mode Shanghai에 출품한 짚신과 미투리를 변용한 하이힐은 현지의 뜨거운 반응을 얻어냈고, 최근에는 Boutique Monaco  Museum과 디자이너 브랜딩 계약을 맺고 전통적인 나전칠기 기술을 적용한 하이힐을 선보이기도 했다.

실용적인 관점에서의 신발로서의 하이힐을 넘어 그것을 예술적 오브제로 형상화하려는 도전을 지속적으로 하고 있다. 2007년 세계 도자비엔날레에는 하이힐의 굽을 컵의 손잡이로 형상화한 도기작품을 만들어 출품하는가 하면, 체스판의 말을 하이힐로 바꾸어놓기도 한다. 전통과 현대, 그 사이를 관통하는 이 고집스런 디자이너의 앞으로의 행보가 궁금하다.

10) 최고의 잇백을 디자인하다 ‘조명희’

가방 브랜드 'Stori'의 디자이너 실장 조명희. 대학에서 현대무용을 전공했지만 액세서리 디자인을 하던 언니의 권유로 가방 디자인에 뛰어들었다. 이후 패션 브랜드 신원을 거쳐, 이신우 컬렉션의 실장을 역임했다. 이후 안정된 국내에서의 입지를 버리고 유학길에 올랐다. 영국 세인트 마틴 예술학교를 졸업한 후 유럽에서 가방디자이너로 활동했다. 졸업 이듬해인 2002년부터 Premiere Classe, Designer and Agent in New York와 같은 유명 패션 전시회와 London Fashion Week의 참가 자격을 얻으면서 Stori라는 브랜드를 알리기 시작했다.

2002년 그가 선보인 가방 전문 브랜드 Stori는 프랑스, 영국, 독일, 스페인, 스웨덴 등 유럽 시장에서 인기 브랜드로 자리를 굳혔다. 영국 리버티 백화점에서는 3년 연속 가방 부문 ‘베스트 상품’에 오르기도 했다. 독일의 갤러리 라파예트 백화점에서도 당당히 명품존에 입점해 세계적인 명품들과 어깨를 겨루고 있다. 지난 시즌에는 영국의 인기 매장 Topshop에 자신의 이름을 딴 브랜드 ‘Myounghee Zo for Topshop’을 선보이기도 했다.

스토리는 유럽뿐 아니라 미국, 중동, 남아프리카까지 전 세계 20개국에 진출해 모두 40여 개의 매장에서 판매되고 있다. 미국 LA Anthropologie, 뉴욕 Verve, 두바이의 Bugatti, 모스크바의 레이드부티크(Lide Boutique) 등 유명한 라이프스타일 숍과 백화점에서도 그녀의 가방을 만날 수 있다. 한국에는 2년 전 브랜드를 알리고 고객들의 반응을 살펴보기 위해 플래그숍을 삼청동에 열었다.

현재 런던에 작업실을 두고 있는 그는 기획과 디자인은 런던에서, 생산은 한국에서 한다. 주요 소재인 가죽은 이탈리아에서 구입하고, 전시회는 파리에서 여는 식이다. 제품의 창의성은 소재에서 나온다고 믿는 그녀는 자신의 제품에 한국적 요소들을 다양한 방식으로 결합시킨다. 가벼운 가방을 위해 한지를 적용하고, 목단 문양을 프린팅하거나, 고가구에 사용하는 무지개빛 자개를 손잡이로 이용하기도 하고, 조선조 한국의 전통 민화를 핸드백의 앞판에 찍어 넣는다. 복주머니 형태로 가방을 빚어내기도 하고, 호랑이를 귀엽게 형상화해 가방에 박아 넣기도 한다.

그러나 그녀의 제품은 한국적인 것에 매몰되지 않는다. 한국 문양과 무늬의 매력을 영국풍의 빈티지와 결합시키면서도 균형을 잡는 법을 안다. 비녀나 문갑고리로 가방의 잠금 장치를 대신하거나 하는 식이다. 서구적인 것에 절제된 한국적 매력으로 방점을 찍는다. 이는 한국적인 것을 지나치게 사용할 경우 이질감을 느끼게 될 외국 소비자들의 감성을 읽어낸 것이다.

[한국의 5대 패션쇼]

서울패션위크(SEOUL FASHION WEEK)

서울시가 주최하는 대한민국 최고 규모의 패션 컬렉션이다. 연 2회, 3월 11월에 개최되며 파리와 런던, 밀라노, 뉴욕에 이은 세계 5번째 컬렉션으로 도약하기 위해 노력 중이다. 2000년부터 시작된 국내 정상급 디자이너들의 컬렉션인 서울컬렉션이 서울패션위크와 결합되어 열리고 있다. 이외에도 신인 디자이너들의 등용문인 GENERATION NEXT와 SEOUL FASHION FAIR도 함께 열린다.

서울패션아티스트협의회(Seoul Fashion Artists Association: SFAA)

1990년 한국 패션계를 이끌어 온 12인의 국내 정상급 디자이너들에 의해 발족된 서울패션아티스트협의회는 매년 4월과 10월경, 1년에 2회씩 정기적인 컬렉션을 개최해 왔다. 현재 정회원 디자이너 20명이 본 협의회의 회원으로서 컬렉션에 참여, 활발한 활동을 보여주고 있다. 한국 최초의 정기 컬렉션인 SFAA Collection은 파리, 밀라노, 뉴욕, 런던 등의 세계적인 컬렉션이 지향하는 것처럼 국내의 섬유패션산업을 바탕으로 세계적인 패션중심지로 발돋움하는 데 그 목적을 두고 있다.

대한복식디자이너협회(KFDA)

1961년에 설립된 KFDA는 문화체육관광부 산하 첫 패션디자이너 단체다. 역대 회장은 최경자, 안윤정, 리미원, 안지히, 김연주, 이영선, 문영자, 김종월, 안윤정, 황재복 씨 등이다. KFDA의 주요사업은 회원의 창의적인 디자인연구 조장 및 기술 향상, 국내외 패션문화 및 섬유문화 산업육성을 위한 연구 및 교류, 회원의 권익보호 및 복지, 패션문화산업 연구교류를 위한 각종 세미나와 컬렉션 개최 등이다.

뉴웨이브 인 서울(New Wave in Seoul: NWS)

1992년 결성 후 한국 패션의 새 이정표를 제시해온 패션디자이너 그룹이다. 국내 패션디자이너 그룹 중 가장 진보적이고 젊고 감각적인 작품력과 활발한 활동을 펼쳐온 영향력 있는 디자이너 20인이 정회원으로 활동하고 있다. 매년 2회 정기 컬렉션을 개최하고 있는 이 그룹은 국내외 패션 컬렉션은 물론 패션 전시회 참가를 통해, 한국 고유 브랜드의 국제 경쟁력 강화 및 상품화를 모색하여 고부가가치 산업인 패션 산업의 활성화를 위해 노력하고 있다.

서울국제패션컨테스트(Seoul International Fashion Contest: SIFC)
SIFC는 전 세계에 있는 차세대 신인 디자이너를 발굴하기 위해서 서울시와 한국패션협회가 주최하는 글로벌 패션 컨테스트로, 매년 가을에 개최되는 대학패션위크 중에 패션쇼를 통해 선발된다. 2012년 테마는 ‘SEOUL NOW’로 역동적으로 변화하는 서울의 이미지를 주제로 하였다.

4장 패션 스트리트 탐구

마을은 신이 만들고 도시는 인간이 만들었다는 말이 있다. 자연발생적으로 생겨난 마을과 달리 도시는 인간의 계획과 설계 하에 만들어진 문명의 소산이다. 서양 역사에서 패션의 탄생이 13세기 중세 말기 도시의 탄생에서 비롯되었듯, 패션은 거리에서 태어나고 사라진다.

한국의 서울에는 패션의 7가지의 표정을 발견할 수 있는 거리들이 있다. 최근 가수 싸이의 노래 ‘강남스타일’이 전 세계에서 인기를 얻고 있는데, 이렇게 특정 지역과 거리의 이름을 붙인 ‘스타일’에는 각 거리에 아로새겨진 특정 계층의 정서가 녹아있다. 그런 의미에서 패션 거리는 ‘스타일’을 둘러싼 전쟁을 벌이는 부족(tribe)들의 보금자리다. 따라서 패션이란 렌즈를 통해 거리를 읽는 작업은 단순히 거리를 점유하고 있는 패션을 소개하는 데 그치지 않고, 각 거리만의 고유함을 창출한 소비자층에 대한 이해까지 돕는 일이 될 것이다.

패션 스트리트는 패션산업의 진화과정과의 면밀한 관계 속에서 태어나고 사멸한다. 동대문은 한국의 패션산업의 진화과정을 오롯하게 담은 그릇이며, 청담동은 신흥 부유층들의 미감을 가장 적나라하게 드러낸다. 가로수 길은 Creative Class의 새로운 삶의 방식을 담고 있으며, 이태원은 ‘이방인의 거리’를 통해 다문화적 가치와 융합되고 있는 한국의 새로운 면모를 보여준다. 부암동은 삶의 속도전에 지친 이들에게 슬로우 라이프와 따스한 핸드메이드의 정신을 알려주는 표상이다. 거리의 패션을 채우던 매장들의 모습도 바뀐다. 70년대의 양장점과 80년대 디자이너 부티크, 90년대 초반 백화점의 득세를 넘어 이제는 SPA와 할인점의 시대로 넘어간다. 90년대 후반부터 시작된 셀렉트 샵은 최근 라이프스타일을 큐레이팅하는 편집샵 개념의 도입과 더불어 도시의 풍경을 풍성하게 만든다. 거리 패션은 시대의 정서적 표정을 담아내는 거울이다.

1) 명동-패스트패션의 전쟁터

명동은 한국전쟁 후 도시 재개발과 함께 본격적인 상업지구로 발전하여 1960년대에는 문인과 예술계 인사들의 집합 장소로 명성이 높았다. 1970년대 졸업과 입학 시즌이면 명동의 양장점을 찾는 여고 졸업생들로 명동의 디자이너 부띠끄는 문전성시를 이루었다. 3월이면 여러 일간지와 TV에서 명동의 거리 패션을 취재해 봄이 왔음을 알려줄 정도로 1970년대 명동은 멋쟁이들로 넘치는 한국 최고의 쇼핑 거리였다. 1980~90년대를 거치면서 하루 평균 130만 명이 다녀가는 거대 상권을 이룬 명동은 다양한 소비계층과 외국인 관광객 수요의 증가로 인해 ‘관광특구’가 된다.

2000년대 초 한류 바람과 함께 FOREVER21, ZARA, MANGO, H&M, UNIQLO, GAP 등 글로벌 SPA 브랜드들이 속속 들어오면서 명동은 글로벌 SPA 브랜드의 각축장으로 변한다. 2005년 5천억이었던 SPA 매출은 3년 만에 3배로 뛰었다. 하루 150만 명, 주말에는 230만 명이 명동을 다녀간다고 한다.

글로벌 SPA 업체들의 공세에 맞선 국내 토종 SPA 업체들도 속속 증가 추세다. ABC-MART, 8 SECONDS, Mixxo, SPAO, SPICY COLOR, Codes Combine, Culture Call 등이 해외 브랜드와의 한판 승부를 위해 발 빠르게 뛰고 있다. 8 SECOND는 국내 최고의 패션기업 제일모직에서 20-30대를 겨냥해 만든 SPA 브랜드로, 8 SECONDS라는 이름은 8초 만에 그 사람에게 가장 어울리는 트렌드를 파악한다는 의미를 갖고 있다. SPAO는 한국인의 취향과 체형에 맞는 옷을 공급한다는 모토 아래 패션기업 이랜드가 설립한 SPA다. Mixxo는 1년간 1만 5천여 개의 아이템을 선보일 정도로 다양한 스타일이 강점이며, SPICY COLOR는 톡톡 튀는 다양한 컬러와 디자인이 돋보이는 상품과 오감을 만족시키는 매장 컨셉을 표방한다.

2) 동대문-역사와 문화를 연결하는 패션의 자존심

3만 평 면적의 동대문 시장은 한국은 물론 아시아의 패션 허브다. 8만 개가 넘는 패션 업체가 밀집해 있고 하루 평균 60만 명의 인파가 몰려든다. 밤 10시부터 2시에 절정에 이르고 새벽 5까지도 붐빈다. 말 그대로 잠들지 않는 곳이다.

서울 종로5가와 청계천5가 사이 한 블록에 현재 동대문시장의 모체라 할 광장시장이 있다. 역사적으로 광장시장은 1905년 대한제국 한성부의 개설허가를 받아 탄생한 국내 최초의 근대적 시장이다. 노동집약적 섬유산업이 한국의 주요 수출품이었던 1960~70년대에 많은 생산 인력과 업체가 이곳으로 모여들었다. 1990년대 초 남대문시장도 패션 산업에서 디자인이나 기획력을 갖추고 있었지만 동대문의 생산력을 따라오지 못했다. 동대문시장은 기존 패션시장의 패권을 쥐고 있던 남대문시장을 누르고, 백화점의 대항마를 넘어, 신인 디자이너들을 육성하는 인큐베이터로 성장했다.

4개의 지하철 노선과 2개의 역이 엮이는 황금 같은 위치, 생산과 유통을 포함하여 다양한 서비스를 한 곳에서 해결하는 원 스톱 시너지 복합기지, 초스피드로 돌아가는 치열한 신제품 경쟁과 시장 정보 네트워크. 이런 요소들이 오늘날의 동대문을 세계 속의 패션 메카로 만들었다. 서울의 패션 산업 시장규모는 연간 28조 원에 달한다. 이 중 동대문 패션타운이 들어선 지역의 매출이 30퍼센트 이상을 차지한다.

동대문은 흔히 동과 서로 나뉜다. 동쪽에는 청평화, 동평화, 구평화, 신평화 등 전통 도매상가와 디자이너클럽 같은 디자인 벤처가 자리잡고 있다. 구평화는 동대문에서 외국인이 가장 많이 붐비는 시장으로 러시아, 폴란드, 중동, 남미, 아시아 등 각국의 바이어들이 끊이지 않으며, 디자이너클럽은 지방 소매상인들에게 인기가 높은 곳으로 최신 유행 디자인을 찾는 멋쟁이들이 몰린다.

서쪽에는 Migliore, Doota, Hello apM 등 여러 신흥 패션몰들이 경쟁을 벌이고 있다. 이 중 동대문 상권의 역사를 새롭게 쓴 ‘Migliore의 신화’는 주목할 만하다. 1996년 오픈한 지 1개월 만에 동대문 최대의 쇼핑몰로 부상한 밀리오레는 IMF 경제위기로 인해 모든 상가들의 매출이 50% 이상 감소하는 상황에서도 소비자의 취향에 꼭 맞는 다양한 패션 아이템과 풍성한 이벤트로 대형백화점의 매출을 능가했다. 이에 일부 백화점은 밀리오레의 성공비결을 조사해 가기도 했다.

두산에서 무려 2천 6백 억이라는 거금을 투자하여 세운 Doota는 입점 상인들의 30%가 자가 또는 하청공장을 소유한 디자이너 출신이었다. 현재 두산타워는 패션을 리드하는 새로운 감각의 디자이너가 모이는 한국의 SOHO다. 매년 디자이너 인큐베이터 프로그램인 두타 디자이너 벤처 컨퍼런스를 열어 참신한 신인 디자이너들을 발굴하고, Doota 내부의 디자이너 특화존인 Dooche에서 활동할 수 있는 기회를 준다.

흔히 한국 전통 판소리의 가창방식을 일컬을 때 쓰이는 동편제와 서편제라는 애칭으로도 불리는 동대문의 동과 서는 오늘도 패션이라는 거대한 시장을 만들고 미래를 열어가는 일종의 목소리가 되어 고객들을 부른다. 2013년에는 여기에 Dongdaemun Design Plaza & Park (DDP)가 들어설 예정이다. 서울시가 체육시설로서의 기능을 상실하고 노후화된 기존의 동대문운동장을 역사문화공원으로 탈바꿈하기로 결정하고, 이라크 출신의 건축가 자하 하디드의 손을 빌려 휴식, 녹지, 문화 복합공간으로서의 DDP를 조성하고 있다. 역사와 전통을 연결하는 동대문의 정신은 미래를 향해 뻗어간다.

3) 이태원, 코스모폴리타니즘에 바치는 경배

이태원은 서울 속에 자리한 지구촌이다. 내국인들에게는 이국적인 문화를 체험할 수 있는 곳이고, 외국인들에게는 자신의 고향을 맛볼 수 있는 곳이다. 이태원은 조선시대에 서울을 드나드는 여행객을 위한 숙소 중 하나였고, 식민지 시기에는 일본인 전용지구가 있던 곳이었으며, 한국전쟁 이후에는 미국인들의 위락지대와 기지촌으로 역할을 했다. ‘여권 없이 세계를 만나는 거리’라는 애칭처럼 세계 각국의 음식들을 맛볼 수 있으며, 다양한 인종과 문화가 혼합되어 있는 거리답게 ‘이질적인 것’들에 대한 열린 태도가 살아있는 곳이다. 빅 사이즈 의류를 파는 옷가게부터 외국인 노동자 거주지, 현대미술과 한국 전통미술의 핵심을 컬렉션 해놓은 리움미술관, 각국 외교관들의 호화로운 주택까지 다양한 요소들이 따로 또 같이 공존하는 곳이 이태원이다.

이태원의 패션 거리는 흔히 세 개로 나뉜다. 꼼데가르송 길과 경리단 길, 그리고 최근에 핫 플레이스로 부상하고 있는 세로수 길이다. 한강진역에서 이태원역 방향으로 700여 미터에 이르는 꼼데가르송(Com de Garson) 길은 몇 년 전만 해도 이태원 번화가가 끝나는 곳에 불과했지만, 2004년 리움미술관이 개관하면서 분위기가 바뀌었다. 그리고 2009년 8월에 제일모직이 일본 출신의 세계적인 패션 디자이너 Kawakubo Rei의 브랜드인 꼼데가르송의 플래그십 스토어(대형 단독매장)를 이곳에 낸 후 차츰 패션·문화의 거리가 되었다.

이태원 시장 뒤 용산구청 쪽에 생겨난 세로수 길은 그 전에는 앤티크 가구거리로 불렸던 곳이다. 2011년 봄부터 패션 관련 매장이 들어서기 시작하여 지금은 3-8평짜리 작은 보세숍들이 옹기종기 모여 있다. 대부분 2층 이하의 낮은 건물들이고, 지하에 숍을 낸 가게도 있다.

최근에는 꼼데가르송 길의 뒷쪽에 있는 T자 형태의 골목이 소문 빠른 패셔니스타들의 공간으로 뜨고 있다. 유럽의 골목길을 닮은, 좁지만 추억거리 가득한 이 골목에는 재기 발랄한 젊은 패션디자이너·아티스트들의 아지트가 옹기종기 모여 있다. ‘엉플래뉴(en pleine nuit)’의 주인 허지인·허지예 자매, ‘하이아데스(hyades)’를 운영하는 김현서·김은제 씨는 파리에서 의상디자인을 공부했다. ‘류이케(ryuikei)’의 김희영 씨는 런던에서 디자인을 공부한 후 이곳에 첫 번째 숍을 냈다. 인기 디자이너 Steve J&Yoni P 부부의 숍도 여기 있다. Steve J&Yoni P는 영국에서 패션을 공부한 인기 디자이너 정혁서와 배승연 부부의 브랜드로, 유명 SPA 브랜드 중 하나인 TopShop에 입점, 삼성 패션디자인펀드에 2회 연속 선정되었으며, 런던 패션위크에 화려하게 데뷔했다. 현재 한국, 일본, 홍콩, 이탈리아 등 세계 곳곳의 숍에서 의상이 판매되고 있으며, 다양한 분야와 콜라버레이션 작업을 펼치고 있다.

4) 청담동-명품 숍과 디자이너 부티크의 거리

청담동이라는 이름은 지금의 청담동 105번지 일대에 옛날에 맑은 못이 있었으며, 또 134번지 일대 한강변의 물이 맑아 이 부락을 ‘맑을 물이 흐르는 동네’라 해서 붙여진 것이다. 청담동은 1980년대 Joongang Design Contest 입상자들인 김동순, 박윤수, 이상봉, 김철웅 등 2세대 디자이너들이 보금자리를 이곳으로 옮기면서 패션거리로 떠오르기 시작했다. 명동을 대체하는 새로운 패션거리, 청담동을 중심으로 형성된 디자이너 부티크는 수입브랜드가 없던 시절 여대생들을 유인하는 최고의 입지였다.

이후 청담동은 강남지역 개발과 더불어 등장한 신흥부유층(new riches)을 위한 패션공간으로 자리 잡는다. 루이비통, 압구정 갤러리아백화점 명품관에서부터 청담동 사거리로 이어지는 1km 남짓의 거리에 카르띠에, 구찌, 프라다, 돌체앤가바나 등 수십 개의 명품매장이 모여 있다.

파리, 뉴욕, 런던에 이은 네 번째 플래그십 스토어로 선택된 청담동 카르티에 매장은 프랑스 건축 디자이너 다비드 피에르 잘리콩의 작품으로, 한국의 전통적 보자기와 패치워크를 브론즈로 장식한 외벽이 인상적이다. 2000년 9월에 개장한 루이비통 매장은 총면적 2,075평으로 아시아 최대규모다. 파리 본사가 직접 보유한 건물로서 파리 본사 디자인 팀이 직접 인테리어를 맡았던 것으로 유명하다. 루이비통의 사각로고가 빛과 움직임에 따라 생동감 있게 달라지도록 한 외관이 특징이다. 이 외에도 직장여성을 콘셉트로 개발된 블랙 나일론 백팩이 폭발적인 인기를 누리며 그 이름이 한국에서 대중적으로 널리 알려진 프라다 매장이 명품거리 중간에 위치해 있다. 프라다는 최근에 패션을 뛰어넘어 프라다폰, 제네시스 프라다 등 국내 기업과의 콜라보레이션을 선보이고 있기도 하다.

또한 청담동의 랜드마크이자 디자인 명소인 10 CORSO COMO도 빠질 수 없다. 1990년 이탈리아 보그 편집장을 지냈던 카를라 소차니가 설립한 복합문화공간으로, 국내에는 제일모직이 2008년 오픈하여 패션과 예술, 음악, 푸드 등이 융합되어 독특하고 감각적인 공간을 제공한다.

5) 홍대-독특함으로 승부하는 하위문화의 표상

홍대 거리는 한국의 클럽문화의 본산지다. 록 음악을 하던 아티스트들이 홍대로 몰려들면서 1990년대 중반 홍대에 클럽문화가 형성되었다. 미술대학을 중심으로 성장했던 홍익대학교 앞답게 미술과 디자인, 춤, 공연, 만화, 영상, 문화기획에 이르기까지 인디정신이 충만한 괴짜들이 모인다. 덕분에 런던의 소호 지구나 뉴욕의 브룩클린처럼 인디 예술의 보따리를 안고 있는 동네다. 숨 막히는 고정관념을 깨고 싶은 이들이 이곳을 찾는다.

홍대 앞 상가 거리는 패션의 거리로 변모된 후 독특한 옷을 찾는 패셔니스타들이 반드시 들러야 하는 곳이 되었다. 최근 인디정신으로 충만하던 이곳에도 거대 자본이 흘러 들어오면서 대형매장들이 들어서기 시작했다. 홍대 앞 패션브랜드 거리는 놀이터 근처 아디다스 매장에서 시작된다. 와우산21길과 어울마당로가 만나는 이곳은 홍대 앞 일대에서 가장 많은 통행량을 자랑하는 곳이다. 홍익대 정문 앞에서 우회전 하면 본격적인 브랜드 거리가 나온다. UNIQLO가 깔끔한 건물에 입점해 있고, 그 아래로 American Apparel이 오래 전부터 문을 열고 있었다. 최근에 오픈한 Customellow는 Kolon Industries에서 야심차게 내놓은 남성복 전문 매장이다. 길 건너에는 Codes Combine과 Jill by Jillstuart 매장이, 남쪽으로 내려가면 NIKE가 자리잡고 있다. 바로 아래 삼거리에는 Stussy와 MF가 사람들의 시선을 끌고 있다.

6) 가로수길-트랜드의 색을 맛보고 싶다면

가로수길은 현재 대한민국에서 가장 트렌디한 거리 중 하나다. 1980년대 인사동의 작은 화랑들이 상대적으로 임대료가 저렴했던 이곳에 둥지를 틀면서 가로수길만의 문화적 정체성이 형성되었다. 스타일리스트, 앤티크 수집가, 패션 디자이너, 요리사, 바리스타, 플로리스트, 사진가와 같은 Creative Class의 한 층을 점유한 이들이 이곳에 몰려들었다. 획일화된 대중의 취향보다는 특별한 나만의 취향을 가진 이들은 가로수길을 ‘보보스의 거리(Street of Bobos)’로 만들었다. 특히 인디 디자이너들의 신규 점포들이 들어서면서, 대중패션으로 진입할 수 있는 영감 충만한 인디 디자인의 진원지가 되었다.

예술가들이 만드는 거리의 운명이 항상 그렇듯, 가로수길도 최근에는 글로벌 트렌드를 보여주는 장으로 변화하고 있다. 앤틱 매장과 디자이너 의상실이 있던 자리에는 지가가 오르면서 대기업 자본이 움직이는 편집샵과 브랜드샵이 들어서고 있다. 대로에서 밀려나긴 했지만 인디 디자이너들의 작은 소품과 작품들을 볼 수 있는 가로수길의 뒷길도 꼭 살필 필요가 있다. 가로수길은 최근 패션의 대세가 된 편집샵의 진화과정을 살펴볼 수 있는 좋은 장소다. 국내 편집샵 1 세대로 꼽히는 KOON이 세운 라이프스타일 컨셉의 편집샵 KOON WITH A VIEW, 국내 신인 디자이너들의 편집샵 ALAND를 비롯하여, 동대문 출신의 디자이너들이 의기투합한 KM PLAY도 있다.

가로수길에서 놓치지 말아야 할 명소 중의 하나는 BagStage다. 지상 5층, 지하 5층의 거대한 규모의 공간 안에 핸드백의 역사를 한눈에 볼 수 있는 핸드백 박물관은 물론 디자인 마켓, 뮤지엄샵과 카페가 들어가 있다.  핸드백 장인이 매일 핸드백을 제작하는 모습을 시연하는 핸드백 체험관도 있다. CNN에서 ‘Every boyfriend’s nightmare’라고 소개할 정도로 여성들의 이목을 끌고 있다.

7) 부암동-따스한 햇살 같은 핸드메이드의 거리

패션의 거리란 무엇일까? 무국적의 사회를 증명하는 다양한 SPA 브랜드와 명품이 즐비한 거리만을 의미하는 것은 아닐 것이다. 서울 도심의 번잡함을 피해 느린 삶을 추구하는 이들의 거리, 서울 도심 속 전원마을로 불리는 부암동은 조선 시대부터 양반과 왕족이 즐겨 찾던 경승지였다. 도심에서 가까운데도 고층 건물이 없어, 걷다 보면 시골의 작은 읍내나 외국에 온 것 같은 착각을 일으킨다. 부암동에는 평균 경력 20년의 핸드메이드 라이프를 가진 사람들이 살고 있다. 가죽장인과 금속 공방, 맞춤복을 하는 디자이너와 리사이클 패션을 고집스레 우기는 디자이너가 있는 곳이다.

Blue Lim은 20년 간 한국의 유수 브랜드에서 가방 디자인을 해온 주인장이 남들과 차별화된 디자인을 선보이려고 세운 공방이다. 그녀는 이탈리아 패션 장인들의 정신을 잇는 부암동의 패션 장인으로, 이 세상에 하나밖에 없는 수제 가방을 만든다. 모든 제품은 이탈리아에서 만든 가죽을 사용하며, 커스텀 백처럼 컬러, 소재 등을 주문해 맞출 수도 있다.

한국 패션계의 앙팡테리블, 디자이너 Imseonoc의 라이프스타일 샵 382 PLAY ground는 패션, 문화 콘텐츠, 디자인 프로덕트, 패브릭 등을 보여주는 복합 문화 공간이다. 소담한 골목길 입구, 하얀 벽면으로 둘러싸인 ‘Imseonoc’ 쇼룸은 옷을 만드는 모든 과정이 드러나 있다고 해도 과언이 아니다. 오리고, 박음질하고, 피팅하는 과정을 투명하게 보여주는 곳이다.

‘겹’은 무대의상 디자이너 김정은의 쇼룸과 작업실을 겸한 공간이다. 영화 프로듀서인 남편과 함께 꾸민 이곳은 패스트 패션에 지친 이들을 위한 닭고기 수프와도 같다. 60년대 건물을 재해석해서 꾸며놓은 아담한 공간과 그 속을 채우는 빈티지 소품들이 정겹다. ‘겹’이란 각기 다른 소재로 옷을 걸쳤을 때 바람결에 달라지는 모습을 의미한다. 자연스런 색감의 모던하고 로맨틱한 의상들을 선보인다.

Post December는 패션계의 주목 받는 신인 디자이너 박소현의 아틀리에다. Who’s next Paris에 참가했고, 패션협회에서 주관한 창의적 디자이너 육성 프로그램에서 1등을 차지했다. 영국에서 패션을 공부한 재원답게 테일러링에 강한 면모를 보여준다. 여기서는 지속가능성을 고려한 그녀의 깔끔한 수제 드레스를 만날 수 있다.

[박스 기사] 한국의 패션 박물관

정영양 자수박물관

세계적인 비교 복식학자인 정영양 박사가 40년 넘게 모은 자수 및 동아시아 복식을 모아놓은 곳이다. 2004년 5월에 개관했으며, 기원전 4세기로 추정되는 세계 최초의 견사자수가 놓여진 청동거울에서부터 종교복식, 갑옷, 병풍, 혼례복, 황실의 흉배에 이르기까지 중국, 베트남, 일본 등 세계의 자수 예술품들을 소장하고 있다. 직물예술의 인식 확산을 목적으로 세워진 이 자수 박물관은 이외에도 다양한 동아시아의 복식을 비교 검토 연구할 수 있는 곳이다. 전시관, 보존처리실, 도서관 등 다양한 설비를 갖추고 있어 동양의 자수예술을 연구하는 이들을 위한 필수 견학코스다.

한국현대의상박물관

서양복식이 도입된 이후 오늘날까지 반세기에 걸친 한국여성의 양장 변천사를 시대별로 살펴볼 수 있는 곳이다. 특히 1,080여 점의 현대 의상들은 진태옥, 설윤형, 이상봉 등 유명 디자이너들의 작품을 비롯하여, 김경오 여류 비행사, 바이올리니스트 정경화 등 사회저명인사 및 유명인들이 실제로 착용하였던 의상으로 구성되어 있다. 그 시대의 특징적인 디자인과 스타일을 통하여 한국에 도입된 서양의상의 과거와 현재 그리고 미래를 조명할 수 있는 의상전문 박물관이다.

시몬느 핸드백 박물관

핸드백 전문기업 ㈜시몬느가 2012년 7월 가로수길에 세운 세계 최초의 핸드백 박물관이다. 서양의 15세기부터 오늘날까지의 앤틱 핸드백을 전시해놓았다. 1920년대 제작된 보석 장식의 까르티에 핸드백, 스키아파렐리 핸드백과 윈저 공작부인의 이름이 새겨진 루이비통 화장품 케이스, 1968년도 파코라반의 체인 메일(chain mail) 백, 아르누보의 부셰롱 핸드백, 1996년 루이비통 모노그램 백의 100주년을 기념해 제작된 비비안 웨스트우드의 붐백(Bumbag) 등이다. 각 시대마다의 특별한 기술과 역사, 미(美)를 효과적이고 역동적으로 보여줄 수 있는 연출에 초점을 맞췄다. 뉴욕타임스는 “서울에 간다면 반드시 들러야 할 곳”으로 백스테이지를 소개했고, 영국의 파이낸셜타임스 또한 “핸드백에 바쳐진 성전”이란 찬사와 함께 이곳을 보도했다.

한빛안경박물관

한빛안경박물관은 이정수 관장이 안경원을 꾸미기 위한 취미로 시작하여 20여 년 동안 모아온 고(古) 안경과 안경집 등 안경과 관련된 자료 5,000여 점을 한 곳에 모아 조성된 곳이다. 국내는 물론 해외에서 구해온 17세기의 오래된 안경을 비롯하여, 3년 동안 설득하여 얻은 거북 등껍질로 만든 구갑(龜鉀) 안경집, 한국적인 미를 느낄 수 있는 십장생 자수 안경집, 19세기에 사용했던 시력측정기, 안경을 쓴 조선시대 사대부의 초상화, 안경이 들어간 18세기 정물화 등 안경에 관련된 다양한 전시물들로 꾸며져 있다.

부록

한국 패션 관련 협회 웹사이트

한국패션협회 www.koreafashion.org

한국패션산업연구원 www.krifi .re.kr

한국콘텐츠진흥원 www.kocca.kr

패션 박물관 웹사이트

한국현대의상박물관 www.kmmc.or.kr

정영양 자수박물관 www.bojagii.com

시몬느 핸드백박물관 www.simonehandbagmuseum.co.kr

이영희한국박물관 www.lyhkm.org

한국 패션쇼 웹사이트

Seoul Fashion Week www.seoulfashionweek.org

Seoul Fashion Artists Association www.sfaa.co.kr

Concept Korea www.conceptkorea.org

디자이너 웹사이트

이상봉 www.liesangbong.com

이영희 www.leeyounghee.co.kr

손정완 www.sonjungwan.com

우영미 www.wooyoungmi.com

문영희 moonyounghee.fr

이진윤 leejeanyoun.tistory.com

두리정 www.doori-nyc.com

김혜순 www.kimhyesoon.com

이겸비 www.kyumbie.com

저자 소개

김홍기

한국의 패션 큐레이터 1호 겸 저널리스트. 패션 파워블로거로서 다양한 패션의 현장을 누비며 패션시장과 디자이너들의 면모를 소개하고 있다. 패션과 인문학을 결합한 깊이 있는 글쓰기로 정평이 높다. <TV 미술관> <명작 스캔들> 한국형 TED <세상을 바꾸는 시간 15분> 등 다양한 방송매체에서 패널로 활동했다. 서울패션위크의 <Seoul Collection>과 Seoul International Fashion Competition의 심사위원이다. 패션과 다양한 현대예술과의 결합을 보여주는 전시 및 공연을 기획했다. 저서로는 <샤넬, 미술관에게 가다>, <패션, 심리학을 만나다>, <홍명보를 읽다>, <패션의 인문학> 등이 있고 역저로는 <패션디자이너로 살아남기>, <패션디자인스쿨>, <Alexander McQueen-Genius of Generation>,  <Color Forecasting for Fashion> 등이 있다.